в каком виде живописи применяется рама
Вопросы по теме » Искусство»
Предмет. » Искусство» Тест » беседы по искусству»
Просмотр содержимого документа
«Вопросы по теме » Искусство»»
Предмет : Беседы об искусстве
2 класс. Группа_____________ Ф.И._______________________________________________
1.Композиция – это: а) построение художественного произведения; б) набросок; в) контур.
2.На каком рисунке дана правильная композиция?
а) 
б) 
в) 
3. Рисунки, сделанные карандашом или тушью, гравюры, плакаты – всё это
4. Вид искусства, основным средством художественной выразительности которого является цвет:
5.В каком виде живописи применяется рама
пейзаж а) изображение человека
натюрморт б) изображение природы
портрет в) изображение животных
анималистика г) изображение предметов
7.Скульптор в работе использует материал:
б) графические материалы;
в) глину, камень, металл.
8.Что передаёт скульптура?
а) объём б) материал в) технику
9. К монументальной скульптуре относится:
а) памятник;б) статуэтка;в) рельеф.
10.Что такое архитектура?
а) искусство проектировать и строить здания;
в) рельеф на стене здания
11. Что относится к декоративно-прикладному искусству?
А) античная культура
В) народные промыслы
12.Выберите народные промыслы, в которых используется глина
1. Хохлома; 2. Гжель; 3. Палех; 4. Каргопольская игрушка; 5. Филимоновская игрушка; 6. Дымковская игрушка; 7. Загорская матрёшка
13. Женский головной убор в виде веера, украшенный золотой нитью:
1
4..Из каких тканей крестьяне изготавливали одежду
В
) из шерсти
Из истории рамы и живописи
«Картина и рама»… Часто ли мы произносим эти слова рядом? А «рама и картина»? Возможно, и того реже. Но дело, конечно, не только в словах. Слишком привычно для нас то, что живопись предстает перед нами в обрамлении – простом или богато изукрашенном, вызолоченном или отвечающем по цвету общему тону господствующего в картине колорита. Традиции восприятия картины в раме уходят в глубь столетий. На протяжении веков менялись формы рамы, но между живописью и ее обрамлением всегда существовала связь живая, творческая, обусловленная художественными обычаями и самим бытием искусства в обществе. Все это засвидетельствует неоспоримо даже небольшая прогулка в Третьяковскую галерею в Москве или в Русский музей в Санкт-Петербурге, где вы увидите нарядные рамы портретов XVIII века, простые обрамления живописи последователей Венецианова, усложненные формы рам на рубеже XIX – XX веков…
Любое изображение, созданное художником, за исключением только древних наскальных рисунков, имеет обрамление. Обрамление — необходимая и важная часть композиции, оно завершает ее, придает единство. Обрамление может находится на той же плоскости, на которой выполнена и сама живописная или графическая композиция. Оно же может быть создано специально как некая рельефная форма при помощи декоративных, скульптурных и архитектурных элементов. Чаще всего встречаются обрамления прямоугольной формы, реже — круглой и овальной.
Рама помогает выделить живописное произведение из окружающей среды как нечто особенное и достойное внимания, но вместе с тем и связывает его с окружением. Так, если стиль рамы совпадает с художественным обликом, строем и характером интерьера, где находится картина, это способствует цельности ансамбля. В зависимости от цвета, насыщенности декоративными и скульптурными деталями рама значительно влияет на общее впечатление от живописного образа. Все это и позволяет говорить о единстве картины и рамы, где обрамление выполняет, конечно, не главную, но весьма нужную функцию.
Эпоха Ренессанса и Возрождения
История искусства показывает, что отношения между картиной и рамой менялись, как менялся сам стиль искусства. Пути развития станковой живописи были сложными. Какой яркой вехой в ее истории стал переход от средних веков к Ренессансу! Наиболее существенным в нем явилось стремление уйти от застылости и отвлеченности иконного изображения, господствовавшего в средневековье. Примерно в XIV столетии рождается картина в современном смысле этого слова, а вместе с ней появляется и рама, одетая пока еще в кружево готической декорации.
Первые рамы не противопоставлялись полностью всему изображению и не отделялись от него; материалы обоих были сходны, условная позолота фона, например, древнерусской иконы или византийской переходила на обрамление, да и само изображение не редко «выплескивалось» на него. Затем границы между картиной и рамой стали сознаваться все определеннее. Все же как некая память о предшествующих веках у рамы сохранился ее золотой цвет. Когда из живописи исчез золотой фон, обозначавший мир божественного, позолоченность рамы стала восприниматься условно, иными словами — как необходимый атрибут обрамления, помогавший выделять в помещении картину, привлекать к ней взор. Традиция золочения рам сохранялась долго; она жива и по настоящее время, хотя уже полностью забыта причина ее возникновения.
Когда рама наконец-то приобрела известную самостоятельность, стали складываться особые, ей присущие формы. В пору Ренессанса особенно распространился тип рамы, составленной из архитектурных элементов: капителей, пилястр, полуколонн, карнизов, консолей. Подобная рама сильно напоминала обрамление дворцовых оконных проемов. И если вспомнить, что в то время господствовало представление о живописи как о взгляде в мир через окно, то станет понятно, что рама своими формами весьма ясно намекала на бытовавшее представление и отвечала ему. Эти пышные, торжественные рамы изготовлялись по рисункам художников в специальных мастерских или же помощниками художника, работавшими в его мастерской. Можно представить, как великолепно стиль таких рам согласовывался с архитектурным декором стен, на которых развешивались картины.
Другой тип рамы, получивший тогда же известное распространение, напоминал оправу зеркал. В эпоху Возрождения живопись постоянно сравнивали с зеркалом, в котором отражается действительность, и рама, созданная наподобие орнаментальной оправы зеркала, еще сильнее подчеркивала такое сравнение. Эта рама могла изготавливаться не только из деревянных реек и гипса, но и из драгоценных материалов, включая серебро, слоновую кость, перламутр и т.п.
Барокко и Рококо
С развитием перспективных способов изображения, когда все возрастал эффект правдоподобности в передаче мира красками, у рамы появились сложные и тонкие профилировки — как бы целый ряд небольших ступенек, нисходящих к самому изображению. Понятно, что они помогали глазу зрителя погружаться в мир изображенного, усиливали впечатление глубины, перспективы. Этот прием особенно искусно использовали в голландском искусстве XVII века, когда предпочтение отдавали темного цвета рамам со множеством дробных профилировок.
В том же XVII веке — в искусстве барокко, когда, несомненно, усилилось зрелищное, можно сказать, театрализованное восприятие живописи, рама, в которой своеобразно отразился этот процесс, приобрела богатые скульптурные украшения. На ней изображались лепные и резные гирлянды цветов, различные плоды, раковины, фигурки пути.
В стиле рококо, где особенно ценилась декоративность общего ансамбля, включая и представленную в нем живопись, рамы стали окрашивать в разные тона, соответственно колориту убранства помещения, где находились полотна. Кроме того, сами очертания рамы весьма усложнялись. Допускалось даже, чтобы отдельные элементы резьбы заслоняли поверхность живописи. Рама стала больше принадлежностью окружения интерьера, чем обрамлением самой картины.
Рамы в эпоху импрессионистов
Новые существенные изменения в развитие рамы принес XIX век. Начавшееся увеличение выставочной деятельности привело к тому, что рамы стали богато и сложно оформляться. Так они словно бы преднамеренно привлекали к себе внимание зрителя, выделяя определенные произведения из многих других. Небольшие же холсты так называемого кабинетного формата, предназначенные для комнат любителя искусств со средним достатком, оформлялись в том же стиле, что и вся мебель тех лет (рамы и делались в мебельных мастерских). Чтобы защитить поверхность живописи от повреждений, ее стали застеклять.
Многие художники и теоретики искусства разных стран начали в ту пору рассматривать рамы важнейшей частью в создании картины, даже в качестве предмета самого искусства. О рамах как существенной составляющей живописной композиции говорили Э. Делакруа и Э. Мане. Теоретик Г. Земпер полагал, что «рама — важнейшая форма искусства». Интересно, что образ рамы вошел в эти годы в литературу. Его стали использовать писатели, поэты. В романах Бальзака часто встречается мысль, что место, где разворачивается описываемое событие, видится писателю «как в раме».
Тем не менее со временем уже не всех художников удовлетворял старый тип рамы, особенно цвет — темный, безжизненный. Потому импрессионисты стали окрашивать рамы в светлые желтые, фиолетовые и розовые тона, гармонирующие с их светоносной живописью. Последователь импрессионистов Ж. Сера даже рисовал рамы — синие бордюры — прямо на холсте.
Современный багет и его отличительные особенности
Развитие и становление багетных рам проходило очень не просто, но всегда отвечало той или иной эпохе. Были и ренессансные и барочные рамы. Были времена, когда рамы вообще отсутствовали. Сегодня мы видим совершенно другие багеты.
Мир не стоит на месте. Для интерьеров XXI века характерен минимализм, простота, легкость, но в тоже время обязательно присутствие изящной, утонченной составляющей Пышные барочные рамы или тяжелые классические обрамления уже не вписываются в интерьеры современного человека. На смену им приходят рамы лаконичных форм, гладкие и обтекаемые. Цветовые решения таких рам могут быть самые разные: от спокойных светлых оттенков до насыщенных ярких тонов. Современные коллекции багета отличает и покрытие: лакированное, глазированное, с блеском или, наоборот, абсолютно матовое. Рисунок или орнамент также могут присутствовать на багетных рейках нового поколения. Он может имитировать волны, растительные орнаменты, складки, кожу, вельвет.
Современный багет можно разделить на группы. Первая группа сочетает в себе светлые холодные оттенки, нередко присутствует натуральный тон. Форма профиля простая, без лишнего декора. Ко второй группе можно отнести так называемый профиль «СЫР». Для него характерны светлые почти белые оттенки. Цвета могут быть пастельные: светло-серые, светло- голубые, светло-бежевые и т.д. Может присутствовать серебро, но оно проступает нечеткими фрагментами сквозь основное покрытие, не является основным тоном. «Сыр» — потому что багет имеет дырки, похожие на дырки в сыре. Следующая группа имеет название «Северный стиль». Его отличительными особенностями является лаконичная форма профиля, могут быть чуть сглажены углы. Цветовая палитра: от светло-белого до серого оттенков с легкой потертостью, с проступающими серебряными полосками, с эффектом легкого, деликатного старения. Завершает список группа багета с металлическими эффектами. Багет в данной группе идеален для оформления зеркал и арт-постеров. Покрытие имитирует алюминий и зеркало.
В современных багетных рамах уже не будут смотреться классические пейзажи или реалистичные натюрморты. Для них подойдут постеры с фантазийными сюжетами, яркие абстракции, урбанистические фотографии. Центром интерьера может стать зеркало, оформленное в такую раму или плазменная панель.
Ведущие мировые производители регулярно создают новые коллекции багета, которые отвечают современным тенденциям моды. Наша багетная мастерская следит за всеми изменениями и предлагает своим клиентам только лучшие багеты. Мы готовы предложить Вам изготовление багетных рам, широкий выбор багета для современного, модного и интересного интерьера.
На память сразу приходят слова Ю.М. Лотмана: «Рама в картине, рампа в театре, начало или конец литературного или музыкального произведения, поверхности, отграничивающие скульптуру или художественное сооружение от художественно выключенного из него пространства, всё это различные формы общей закономерности искусства: произведение представляет собой конечную модель бесконечного мира». Иными словами, картина на стене представляет собой окно в другой мир, а картинная рама, наподобие оконной, заключает его в некие границы.
Рама имеет не только художественную, но и этическую ценность. Рама концентрирует, собирает впечатление зрителя от картины и сообщает ей определённый моральный облик и достоинство. Рама также призвана замыкать, отграничивать картину от внешнего мира, выделять картину из действительности. Имея скошенные вовнутрь края, рама сообщает двухмерной картине впечатление глубины.
Своё происхождение рама ведёт от общего архитектурного убранства церкви. На рубеже ХIV-ХV веков происходит автономизация алтаря. Он отделяется от стены, сдвигается ближе к центру собора и получает собственное скульптурное оформление, повторяя в уменьшенном виде форму собора. Для украшения алтаря используется готический архитектурный декор: стрельчатые арки, лёгкие окна, тонкие стенки. Впоследствии скульптурные алтари стали исчезать, так как их изготовление было делом достаточно трудоёмким. Скульптурные сцены были заменены живописными, а скульптура стала играть только декоративную оформительскую роль. Постепенно на смену скульптурной раме пришло изображение рамы в технике гризайли, что быстро стало популярно и среди художников, и среди заказчиков.
Ренессанс предпочитал богатые золочёные рамы, щедро украшенные декором. Это мог быть растительный или фруктовый орнамент, а могли быть и гротески, сатиры, отдельные сцены, вырезанные в технике барельефа. Была и другая тенденция: рамы часто изображались прямо на картине, имитируя мраморные плиты, арочные проёмы, колонны и пилястры. Таков архитектурный декор, обрамляющий сцены создания мира и человека, в Сикстинской капелле Микеланджело.
Вообще имитация рамы играла в то время большую роль. Ренессанс и барокко уделяли огромное внимание проблеме обмана зрения. Главная задача живописи на тот момент заключалась в достижении наибольшего сходства с реальностью. Глядя на фреску Андреа Кастаньо «Тайная вечеря», кажется, что художник больше внимания уделял изображению мрамора, нежели участников Тайной вечери. Иногда художники или архитекторы помещали свои автопортреты в каком-нибудь скромном углу построенного или расписанного ими здания, капеллы. Это тоже было лишь искусной имитацией.
Первые деревянные рамы для небольших произведений в Италии и Франции стали изготавливать в начале ХVI века. Мастера не скупились на убранство: по рамам извивался причудливый орнамент, они могли быть полностью позолочены, украшались живописными или скульптурными вставками. Иногда на рамах разворачивался сюжет, параллельный изображению.
В эпоху Ренессанса предпочитали рамы правильной формы, часто в виде круга. Тема круга и окружности могла варьироваться. Это могло быть просто изображение, вписанное в тондо, или тон-до, написанное на прямоугольной доске, как, на пример, у Луки Синьорелли, где остальная часть доски является прекрасной имитацией каменной плиты с барельефами, обрамляющей круглую картину.
Круглая рама могла быть и окном. Андреа Мантенья изобразил подобное окно в небо на потолке супружеской спальни в герцогском дворце в Мантуе. Сквозь это окно сверху смотрят амуры, служанки и даже павлин. Получается картина в картине.
Развитие рамы активно происходило в северных странах с появлением масляной живописи. С распространением методов линейной перспективы и эффектов воспроизведения видимого мира рама приобретает сложную профилировку, становится как бы ступеньками, помогающими глазу зрителя погрузиться в изображённый мир.
В конце ХIХ века с появлением новых течений в живописи стала меняться и рама. Яркая живопись импрессионистов лучше всего сочеталась с простыми белыми рамами. Рамы эпохи модерна изгибались наподобие живых растений, обретая неровную и даже асимметричную форму, чтобы лучше оттенить тягучую, изгибающуюся живопись.Деревянные рамы превращались в ветви деревьев, оплетающие изображение. Можно сказать, что модерн возвёл раму в самостоятельное произведение декоративного искусства, изготавливавшееся с применением неокрашенного дерева, кожи, металла.
Возникшие в ХХ веке концептуальная и абстрактная живопись вообще отвергли необходимость рамы. Тем самым живопись перестала существовать как мир в себе, выйдя за пределы картины и слившись с окружающей средой. Отсутствие рамы стирает границу между реальным миром и миром иллюзорным. Абстрактная живопись идеально вписывается в современный интерьер, с его прямыми и чёткими линиями, яркими цветовыми акцентами и аксессуарами в стиле хай-тек. Без рамы она сама становится ярким цветовым акцентом в интерьере. Но она также прекрасно смотрится и в классическом интерьере, например, в стиле ампир.
Старые мастера учитывали воздействие рамы в процессе работы. Так, в эпоху Ренессанса архитектурное обрамление и архитектура, изображённая на картине, обязательно сочетались между собой, можно даже сказать, что они звучали в унисон. И это мы прекрасно видим у Мантеньи. Барокко и рококо испытывали склонность к крайней оптической иллюзии и вместо реальной рамы делали иллюзорную. На росписях плафонов Тьеполо изображения на раме, рама активно включаются в сюжетную линию картины.
Романтизм часто выносил изображение за плоскость картины, на раму в символическом орнаментальном образе. В некотором смысле так достигался эффект отсутствия рамы.
© Багетная мастерская Сити-Багет: оформление в багет, паспарту, печать на холсте, обрамление картин.
Контактные телефоны мастерской: +7(495) 649-81-46 Мобильный телефон: +7(903) 293-36-38
Живопись
Живопись — вид изобразительного искусства, связанный с передачей зрительных образов посредством нанесения красок на твёрдую или гибкую поверхность.
Существует два вида живописи: станковая и монументальная. К станковой живописи относят произведения, существующие независимо от места создания. В основном это картины, созданные на мольберте (то есть станке) художника. В станковой живописи преобладают работы выполненные масляными красками, но могут использоваться и другие красители (темпера, акриловые краски и т.д.). Картины пишутся в основном на холсте, натянутом на раму или наклеенном на картон, на картоне, в прошлом широко применялись деревянные доски, могут использоваться любые плоские материалы. Монументальная живопись выполняется непосредственно на стенах зданий и других сооружений. В прошлом преобладала живопись темперными красками по сырой штукатурке (фреска). Однако эта техника сложна, поэтому применяют и другие технологии, например масляные краски. Цветные изображения на бумаге (акварель, гуашь, пастель и др.) формально (например, по месту в коллекции) относят к графике, но эти произведения часто рассматриваются и как живописные. Все другие способы цветного изображения относятся к графике, в том числе и изображения, созданные с помощью компьютерных технологий.
Наиболее распространены произведения живописи, выполненные на плоских или почти плоских поверхностях, таких как натянутый на подрамник холст, дерево, полотно, обработанные поверхности стен и т. д.
Существует также узкая трактовка термина живопись как работ, выполненных масляными красками на холсте, картоне, оргалите и других подобных материалах.
Этимология и семантика
Русское слово живопись указывает на реализм этого искусства в эпоху барокко, когда в России начали писать картины в западном стиле, преимущественно масляными красками. В иконописи употребляется глагол «писать», так же как в греческом языке. В то же время «живописать» может быть понято как энергичная, своеобразная манера писать, то есть и как своего рода письменность.
В связи живописи с письменностью семиотики видят и определённую манеру создавать знаки.
История живописи развивается и блуждает именно в этих двух смыслах: в изобразительности, реалистичности и — знаковости: от иконы (образ) к абстракции.
Техники живописи
Техники живописи практически неисчерпаемы. Всё, что оставляет какой-либо след на чём-то, строго говоря, является живописью: живопись создаётся природой, временем и человеком. Это уже отметил Леонардо да Винчи.
Традиционные техники живописи: энкаустика, темперная (с яйцом), настенная (известковая), клеевая и других типов. С XV века становится популярной живопись масляными красками; в XX веке появляются синтетические краски со связующим веществом из полимеров (акрилик, винилик и др.). Краски могут приготовляться из натуральных и искусственных пигментов.
Гуашь, акварель, китайскую тушь и полурисовальную технику — пастель — также относят к живописи.
Живопись может быть исполнена на любой основе: на камне, штукатурке, на холсте, шёлке, на бумаге, на коже (в том числе на теле животного или человека — татуировки), на металле, на асфальте, бетоне, стекле, керамике и т. д., и т. п.
Живопись встречается и соседствует с пластическими искусствами, в том числе с архитектурой, скульптурой; она может участвовать в формировании искусственной и природной среды.
Исключительное место живописи среди всех изобразительных искусств
Живопись, как и другие изобразительные искусства, иллюзорна: она — это имитация трёхмерного пространства в плоскости, достигаемая посредством линейной и цветовой перспектива. Но её визуальный и к тому же цветовой аспект (глаз воспринимает в одно мгновение практически бесконечную информацию) обуславливает исключительное место живописи среди всех изобразительных искусств.
В то же время, развитие искусства, изобразительных методов и средств выразительности, давно вывело за пределы понимания основных своих задач — «воспроизведение реальности». Ещё Плотин говорит: «Не копировать природу, а учиться у нее»; и этим принципом руководствуются многие художники на протяжении многих веков. Поэтому задачи живописи подразумевают не только такую организацию пространства на плоскости, которая руководствуется и ограничивается воссозданием на ней трёхмерной среды, мало того, отдельные методы уже давно воспринимаются как «тупиковые» на пути развития искусства (в контексте понимания и переосмысления адекватности восприятия). Плоскость, как и цвет, имеет самостоятельную целостность и ценность, вместе они диктуют свои условия в синтезе форм и на плоскости как таковой, — и во взаимодействии с трёхмерно-временныым пространством. Художник уже не может удовлетвориться набором иллюзорных приёмов («иллюзионизмом»), он следует потребностям нового понимания красоты, отказавшись от неактуальных методов самовыражения и воздействия на зрителя, ищет новых же форм таковых, диалектически возвращается к лучшему из отвергнутого, и таким образом приходит к пониманию и реализации новых же ценностей. Такое понимание методов и технических, выразительных задач искусства культивировали в числе других теоретиков и мастеров В. А. Фаворский и о. Павел Флоренский, а впоследствии — самостоятельно развивал сам В. А. Фаворский. Разумеется, это не единственный «верный» путь развития современного искусства и живописи, тем не менее, многие положения такого видения весьма убедительны и продуктивны.
Относительно ошибочности строгого исключения живописи из пластических искусств даже теория «ортодоксального» искусствоведения также уже давно сделала переоценку. Вот что сказано не в каком-нибудь замысловатом концептуальном исследовании, а в «Популярной художественной энциклопедии»: «Искусства пластические делятся, в свою очередь, на изобразительные и неизобразительные. К первым относятся живопись, скульптура, графика, монументальное искусство… К неизобразительным — относятся архитектура, декоративно-прикладное искусство и художественное конструирование… Границы между изобразительными и неизобразительными искусствами не абсолютны…»
«Функции» живописи
Как и другие виды искусства, живопись может выполнять познавательную, эстетическую, религиозную, идеологическую, философскую, социально-воспитательную или документальную функции.
Однако основное и первостепенное выразительное и содержательное значение в живописи имеет цвет, который сам по себе является носителем идеи (в том числе и в силу психологических факторов воздействия и восприятия). Это весьма убедительно разъясняет и показывает, например, теория И. Иттена. Неслучайно существует такое понятие как «литературность», когда живопись, по той или иной причине, не обладая достаточными пластическими и выразительными качествами, привлекает в свой арсенал чисто повествовательную, «литературную» составляющую.
Тем не менее, эволюционируя вместе с человеком и со всем миром, живопись приобрела и новое истолкование, и новое понимание задач. Так, изначально обладая явными признаками самостоятельных пластических характеристик (неслучайно одним из основных параметров, отделяющих живописную технику от графических, является мазок, предоставляющий большой диапазон именно пластических возможностей — в наибольшей степени, конечно, самому распространённому виду — масляной живописи, но и, конечно же, — многим новым её видам и техникам, подразумевающим синтез форм). Представление о путях и задачах живописи, как и все средства, и способы самовыражения, искусствознание и творческая среда — испытали на себе явное влияние развития общего познавательного процесса, но закономерно и сами они повлияли на него, коснувшись многих сторон мировоззрения и деятельности человека.
Переосмысление функций живописи, как, впрочем, и всего творчества, прошло через отрицание целесообразности её как таковой («Только осознав, что это совершенно бессмысленно, можно начать творить» — говорит Р.-М. Рильке); — через осознание того, что «это глубинный иррациональный процесс» — в таком мнении сходятся не только тот же Р.-М. Рильке и правильно воспринятый, хорошо понятый им П. Клее, но и многие художники и философы; причём подготовило новое понимание искусства и его задач само их развитие: невозможно было уместить всю полноту быстротечной жизни, технических и технологических, наконец — общественных и нравственных преобразований — в прокрустово ложе идеологических и академических догм и штампов, жречески изолирующих искусство от самого развития жизни, сводящих именно к «хорошо понятным и давно известным» функциям сам этот глубинный творческий процесс.
Особняком стоит живопись, создаваемая людьми, в разной степени неадекватно воспринимающими окружающую действительность, в произведениях которых не наблюдается попыток сблизиться с реалистическим её отображением. В ряде случаев такие полотна создаются лицами с отклонениями психики от общепринятой нормы и, даже, пациентами медицинских учреждений.
Живописное начало в искусстве
Жанры живописи
Портрет
Портрет — изображение человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности.»На портрете изображается внешний облик (а через него и внутренний мир) конкретного, реального, существовавшего в прошлом или существующего в настоящем человека».
Границы жанра портрета очень подвижны, и часто собственно портрет может сочетаться в одном произведении с элементами других жанров.
По характеру изображения
Пейзаж
Пейзаж — жанр живописи, в котором основным предметом изображения является первозданная, либо в той или иной степени преображённая человеком природа. Существовал с древности, но утратил своё значение в Средневековье и вновь появился в эпоху Ренессанса, постепенно став одним из важнейших живописных жанров.
Марина
Марина — жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид, а также сцену морского сражения или иные события, происходящие на море. Является разновидностью пейзажа. В качестве самостоятельного вида пейзажной живописи марина выделилась в начале XVII века в Голландии.
Историческая живопись
Историческая живопись — жанр живописи, берущий свое начало в эпоху Ренессанса и включающий в себя произведения не только на сюжеты реальных событий, но также мифологические, библейские и евангельские картины. Изображает важные для отдельного народа или всего человечества события прошлого.
Батальная живопись
Батальная живопись — жанр изобразительного искусства, посвященный темам войны и военной жизни. Главное место в батальном жанре занимают сцены сухопутных, морских сражений и военных походов. Художник стремится запечатлеть особо важный или характерный момент битвы, показать героику войны, а часто и раскрыть исторический смысл военных событий.
Натюрморт
Натюрморт — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве. Зародился в 15 — 16 веках, но как самостоятельный жанр оформился только в 17 веке в творчестве голландских и фламандских художников. С тех пор является важным жанром в живописи, в том числе и в творчестве русских художников.
Жанровая живопись
Жанровая живопись является частью бытового жанра в изобразительном искусстве. Бытовые сцены с древности были предметом живописи, однако как отдельный жанр жанровая живопись сложилась лишь в средневековье, получив особенно сильное развитие в эпоху социальных перемен Нового времени.
Архитектурная живопись
Живопись, главной темой которой был не природный, а архитектурный ландшафт. Включает в себя не только изображение архитектурных сооружений, но и изображение интерьеров.
Анималистическая живопись
Анималистическая живопись это живопись, главным сюжетом для которой является изображение животных. Фурри-арт это изображение антропоморфных животных.
История живописи
Стили и направления в изобразительном искусстве
Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно, поэтому «чистых стилей» не бывает.