в каком году придумали спецэффекты
История зарождения спецэффектов в кинематографе
Согласитесь, многовековую историю кинематографа достаточно трудно представить отдельно от истории развития спецэффектов. Безусловно, эти области неразрывно связаны друг с другом. Сегодня на экранах телевизоров мы можем наблюдать реалистичных монстров и других вымышленных существ, фантастические сказочные миры и галактические пространства. На сегодняшний день 90 процентов фильмов используют виртуальные декорации. Но что было раньше? Лишь примитивное освещение и фальшивые уловки.
Возникает другой вопрос: а что же все-таки первично в киноискусстве – игра актеров или сюжет? Профессионализм оператора или спецэффекты? Естественно, все вышеперечисленные составляющие важны. Но так уж сложилось, что некоторые фильмы стали бестселлерами именно благодаря внедрению в них спецэффектов. Возможно, некоторые из них сегодня выглядят старинно, обыденно и скучно, но в свое время они стали настоящим прорывом. Давайте же более подробно рассмотрим историю создания первых спецэффектов в киноискусстве.
Первые спецэффекты в кино
Самый первый спецэффект был создан Альфредом Кларком в 1895 году. Он был построен следующим образом: в фильме снималась сцена казни Марии Королевы Шотландии. Когда палач делал замах, камера останавливалась, а все актеры, которые участвовали в сцене, замирали на мгновение, актриса уходила из кадра, а на ее место клали манекен. Затем камера включалась и палач рубил голову манекена. Многие утверждали, что такие методы станут основой постановки спецэффектов на протяжении следующего 20 века.
Следует признать, данный трюк был первым случаем обмана зрителя в кино. Это первый кинематографический обман, который мог быть совершен только в фильме. Данный спецэффект в дальнейшем получил название «stop trick».
В 1897 году французский режиссер Жорж Мельес понял, что камера способна преображать действительность, а не только фиксировать происходящее.
После такого открытия Мельес выпускает ленту «Путешествие на Луну», которая стала хорошей почвой для дальнейшего развития спецэффектов. В этой картине французский режиссер использовал сразу несколько трюков: известный нам стоп-кадр, многократную и двойную экспозицию, замедленную и ускоренную съемки и сделал их повседневной практикой режиссуры киноискусства.
Вдохновленный Мельес на этом не остановился. Следующие 20 лет он занимался созданием короткометражных фильмов (выпустил более 500 ), в которых старался открывать все новые и новые спецэффекты. Эти труды не были напрасны. Режиссер изобрел такие спецэффекты, как time-lapse Photography, dissolves, multiple exposures, а также ручной painted color. Вскоре Мельеса прозвали «Сinemagician», поскольку он лучше всех умел манипулировать и преобразовывать желаемую действительность в кино. В эпизоде, основанном на романе Жюля Верна «From the Earth to the Moon», Жорж внедрил комбинацию игры актеров и анимации.
Усовершенствование спецэффектов
1920-ые и 1930-ые годы стали настоящим «прорывом» в развитии спецэффектов. Они были не только улучшены и усовершенствованы, но и стали своеобразными модификациями театральных иллюзий (например, такими как Фантом Пеппера). Процесс съемки теперь включал в себя двойную экспозицию и matte compositing. Использовавшаяся ранее только в театральных спектаклях оптическая рирпроекция была также усовершенствована. Теперь в ней стало возможно использование нарисованных движущихся фонов.
Однако некоторые типы спецэффектов к этому времени уже были развиты настолько, что, благодаря им и технологии «стоп-трик», режиссеры легко могли создавать целые фантастические эпизоды. Рисованная анимация воссоздавала иллюзию движения (это можно наблюдать в фильме Винзора МакКея – «Динозавр Герти»), а трехмерные модели нашли свое применения в фильме Уиллиса О`Брайна «Кинг Конг».
Кстати, из-за потребности в частой съемке панорам, а также наездов и отъездов камеры, началось развитие использования макетов и миниатюрных моделей окружающей действительности.
Военные и морские сражения снимались благодаря созданным миниатюрным моделям кораблей, которые плавали в резервуарах с водой. Модели самолетов могли летать в павильонах студий и разбиваться, при этом без риска для жизни. Наиболее эффектно mattle paintings и миниатюры использовались для изображения вымышленных миров, которые никогда не существовали. Так, например, режиссер Фриц Ланг создал свой фантастический город в фильме «Метрополис», о котором мы и поговорим дальше.
Фильм «Метрополис» (1926) — первый «фантастический прорыв»
«Метрополис» 1926 года по праву можно считать первым фильмом, в котором спецэффекты стали настоящей «бомбой». Режиссер без особого труда смог великолепно передать атмосферу города из будущего, однако и тут были свои технические особенности. В данном фильме впервые был применен эффект Шюффтана, который назвали в честь изобретателя Эжена Шюффтана. Суть его заключалась в создании комбинированного изображения с помощью зеркальной системы. Это позволяло изображать несуществующие миры и легко вписывать в них актеров.
В те годы картина «Метрополис» была одной из самых сложных и дорогих (на территории Германии). Можно сказать, что это был первый серьезный вызов Голливуду. Но стоимость производства была слишком высока и сильно превышала бюджет. Студии Universum Film AG не оставалось ничего, как задолжать у голливудской компании «Gunning». Американцы сразу узнали об эффекте Шюффана и стали массово использовать его во всех своих фильмах до 1950 года, пока на смену не пришли новые, более совершенные технологии.
Кстати, некоторые сцены в фильме Питера Джексона «Властелин Колец: Возвращение короля» были сняты именно благодаря технологии Шюффана. Очень неясно, почему Питер, на вооружении которого были современные спецэффекты и компьютеры, решил использовать данный прием. Возможно, таким образом он хотел выразить свою признательность и уважение к изобретателю.
Дальнейшие нововведения
Нововведения продолжались. Следующим важным обновлением стало более широкое применение оптического принтера. Это устройство, по сути, является ни чем иным, как проектором изображения с пленки в объектив камеры. Разработан он был для того, чтобы производить печать копии фильмов для дистрибуции. Именно Линвуд Данн доработал и расширил применение оптического принтера и показал всему миру, что камера и принтер могут использоваться для компоузинга сразу нескольких изображений, при это создавая фантастические, не отличимые от реальности иллюзии.
Первой демонстрацией спецэффектов, которые были созданы при помощи оптического принтера, стала картина Орсона Уэллса под названием «Гражданин Кэйн». Многие эпизоды в этом фильме были сняты благодаря комбинированным съемкам, которые и создавали спецэффект «глубокого фокуса». Все подобные технологии были возможны лишь благодаря оптическому принтеру Данна.
Кинематограф развивался стремительно, не отставали от него и технологии спецэффектов. После появления цветной съемки режиссеры стали задумываться над тем, какие бы новые и изысканные спецэффекты можно создать. Кстати, именно цвет стал своеобразным стимулятором для развития известных на сегодня методов blue screen и traveling matte. Практически все вышеперечисленные эффекты нашли свое применение в гениальном фильме Стэнли Кубрика «Космическая одиссея 2001».
«Космическая одиссея 2001» (1968) – сказочный путь в Галактику от Стэнли Кубрика
Данная лента считается одной из самых знаменательных среди фантастических фильмов. Картина длится более трех часов, и, несмотря на достаточно длинное повествование, смотреть ее – сплошное удовольствие. Стэнли Кубрик смог воссоздать близкое, почти наступившее будущее. Это заметно уже по шрифтам, надписям и интерфейсам, используемым в фильме. Удивительно то, что спустя почти полвека изображенные в «одиссее» корабли и космические станции не выглядят банально и наивно. Сразу видно, откуда дизайнеры «Звездных войн» брали прототипы своих моделей.
Каждая сцена, каждый кадр строились с невероятной точностью и вниманием. Для съёмок фильма использовались самые сложные и дорогие спецэффекты. Это был 1968 год, компьютеры находились в зачаточном состоянии, и все эффекты были аналоговыми. При этом создателям удалось добиться реалистичности.
В картине присутствует и технология Шюффтана. А для съемок внутрикольцевого модуля на космическом корабле был сооружен гигантский вращающийся барабан.
«Звездные войны» (1977) – фильм-апогей в развитии «киношных» спецэффектов
Согласитесь, историю спецэффектов и кинофантастики невозможно представить без фильма Джорджа Лукаса «Звездные войны». Инопланетяне, множество космических гаджетов, зрелищные сцены и перестрелки, а самое главное – световые мечи. Да о чем тут можно говорить. Вспомните хотя бы сцену, где истребители повстанцев стараются прорваться к Звезде Смерти. Кстати, для съемки этого эпизода группа построила макет поверхности станции, длина которой составляла несколько метров. Камера же была закреплена на автомобиле, который перемещался на приличной скорости.
К сожалению, молодое поколение не сможет понять, с каким восторгом и удивлением мы смотрели эту картину. И главное здесь не лазеры и космос, а то, что с помощью новейших спецэффектов Лукас смог воссоздать невероятную атмосферу сказки, в существование которой хочется верить до конца своих дней.
Естественно, для съемок фильма инженеры построили большое количество техники и построили всевозможные макеты. Инопланетная фауна демонстрировалась следующим образом: оператор покадрово снимал обычных кукол. Очень активно использовались синие экраны для последующего наложения изображений на них.
Внедрение компьютерной графики в кино
После невероятного успеха «Звездных войн» Лукас основал собственную инновационную компанию «Industrial Light and Magic». Персонал студии занимался разработкой новейших спецэффектов, которые нашли свое применение и в современных фильмах.
Но самой большой инновацией за последние несколько десятков лет принято считать развитие GGI, то есть компьютерной графики. Благодаря этой технологии мы смогли увидеть потрясающие спецэффекты в фильме «Молодой Шерлок Холмс», а также в известных всем картинах Джеймса Камерона «Терминатор 2: Судный День» и «Бездна».
В 1993 году Стивен Спилберг стал активно внедрять технологию GGI для создания реалистичных динозавров в фильме «Парк Юрского периода». При этом, многие эффекты пришлось радикально изменить, поскольку свое они уже отслужили и смотрелись не так зрелищно, как требовал зритель.
Специалисты покадровой анимации уже в течение нескольких месяцев переквалифицировались на использование компьютерных утилит. В цифровом компоузинге исчезла надоевшая всем «зернистость», которая наблюдалась при оптическом. GGI технологии позволили дизайнерам создавать четкие, детализированные миниатюры, а также многотысячные толпы GGI людей.
В 1995 году вышел фильм под названием «История игрушек», который просто-напросто стер различия между мультипликационными картинами и обычным кино. Режиссеры поняли, что все изображения могут быть созданы при помощи компьютера и анимационных технологий. Стало очевидно, что теперь можно создать любой желаемый образ в компьютере и он будет выглядеть как реальный объект или персонаж для аудитории.
Интересные факты о спецэффектах
100 лет истории спецэффектов (видео)
Первые спецэффекты, или 10 знаковых вех в истории кино
Мы с вами сейчас приходим в кино, и если в фильме нет привычного для нас обилия эффектов и вот этого пыщ-пыщ, то нам немного странно. И даже если выглядит все как обычные съемки в обычных декорациях, мы подозреваем, что без зеленого экрана все равно не обошлось. Графика стала для нас не просто привычной, она теперь органичная часть любого фильма. 7 апреля, например, выходит новая « Книга джунглей» от Disney. Так вот там нет вообще ни одного живого кадра и ни одного живого существа, кроме собственно Маугли. И это, что самое удивительное, не мультик, а самое настоящее кино.
Кинематограф прошел длинный путь от «Прибытия поезда» до «Книги джунглей». И особенно интересен этот путь в плане спецэффектов. Титр удивляется и умиляется, глядя на то, что раньше производило самый настоящий фурор среди зрителей.
Когда появилось кино, никаких компьютеров, конечно, еще не было. Поэтому приходилось делать свои спецэффекты вручную. Томас Эдисон первым запатентовал «кинетограф» – аппарат для записи движущегося изображения на кинопленку. В фильме Эдисона «Казнь Марии Шотландской» актриса, которая играет Марию, становится на колени на плахе. Палач поднимает топор, после чего кадр на секунду останавливается. В это время актрису на плахе быстренько заменяют манекеном. После этого камера возобновляет съемки, и Марии отрубают голову. Зрители в 1895 году фильм-то видели впервые, а уж про спецэффекты и понятия не имели. Они пришли от фильма в ужас, посчитав, что ради съемок фильма режиссер зарубил настоящую женщину.
Фильм Гарри Гудини «Мрачная игра» 1919 года был совершенно случайно найден после того, как считался утерянным в течение почти столетия. Эта картина считается лучшим фильмом Гудини, но речь о другом – о съемке сцены на самолете, которая пошла не так, как было запланировано. Каскадер должен был выбраться из летящего самолета, спуститься по веревочной лестнице на другой самолет, летящий чуть ниже, а затем впрыгнуть в его кабину и перехватить управление. Когда эта сцена снималась, самолеты внезапно попали в восходящий поток воздуха и столкнулись. Каскадер чудом избежал гибели между двумя самолетами. Нижний самолет удалось выровнять, но верхний вошел в пике. К счастью, обошлось без жертв.
Несмотря на то, что все люди понимают, что реклама представляет собой необходимое зло, они все равно ненавидят ее. Оказывается, рекламные ролики существуют с тех пор, как появилось кино. В некоторых первых фильмах уже встречались рекламные объявления – рекламировались железнодорожные корпорации, которые спонсировали съемку фильмов. Вскоре в кино впервые появилась реклама алкоголя и табака. Томас Эдисон был ярым противником курения. Узнав, что курение вредит мозгу, он полностью запретил сигареты в своих лабораториях и студиях. Но прежде чем стать ярым противником никотина, Эдисон выпустил первый рекламный ролик «Admiral Cigarettes» – короткое видео, в котором ряд типичных персонажей американской культуры утверждают, что они курят только сигареты Admiral.
Первая пластилиновая анимация
Можно утверждать, что пластилиновая анимация родилась в 1897 году, когда Уильям Харбутт преподавал уроки лепки, и ему понадобился особый сорт глины, которая бы не высыхала. В итоге он создал первый в мире «пластилин» из солей кальция, вазелина и алифатических кислот. Вещество, которое обладало всеми свойствами глины, но никогда не высыхало, по-прежнему используется и сегодня. Старейшим мультфильмом, в котором пластилин был использован для анимации, является шуточный фильм 1908 года «Мечта уэльской гренки с сыром, сделанной скульптором», который был выпущен студией Эдисона.
Джеймс Стюарт Блэктон – «отец анимационных фильмов» – начинал свою карьеру в качестве журналиста и карикатуриста. В 1896 году, когда он впервые увидел один из первых проекторов Эдисона – Vitascope, Блэктон был настолько впечатлен, что приобрел его. Эта покупка и заложила основу компании American Vitagraph Company, которая в 1900 году выпустила первый прототип анимационного фильма. В короткой ленте «Очаровательное рисование» Блэктон совместил традиционное искусство графики с техникой кино. Так появилась мультипликация. Тем не менее, техника была довольно примитивной, и лишь пять лет спустя появился настоящий цветной мультфильм «Маленький Немо».
Первый фильм с котами
Сегодня в Интернете коты стали одним из самых популярных мемов и «горячей» темой для роликов. Но на самом деле тенденции запечатления милых животных на пленку исполнилось уже 120 лет. Первое юмористическое видео с котами «Боксирующие кошки», которое длится всего 22 секунды, было снято в 1894 году Томасом Эдисоном.
Первый цветной фильм
В течение многих лет считали, что первый цветной фильм датируется 1909 годом. Но в Национальном музее медиа нашли давно забытую катушку с цветным фильмом 1902 года. Эдвард Раймонд Тернер экспериментировал с системой, в которой для записи изображений использовались синий, красный и зеленый фильтры. Считается, что технологию забросили, поскольку изображение получалось размытым. Однако находка в Национальном музее СМИ доказала, что методы Тернера фактически работали. Более чем через 100 лет после того, как от его изобретения отказались, Тернер стал известен как «отец цветного кино».
Первый фильм ужасов
Первый фильм ужасов «Замок Дьявола» легендарного режиссера Джорджа Мельеса был снят в 1896 году. Как считалось, этот фильм был навсегда утерян, пока в 1988 году в Новой Зеландии не была найдена его копия. Хотя сейчас подобный фильм скорее бы сочли комедией, в нем есть много знакомых элементов, которые впоследствии использовались во множестве фильмов ужасов – замок с привидениями, призраки, скелеты, ведьмы, летучие мыши, а также эффекты стоп-моушена и клубы дыма, которые создавали иллюзию магии.
Первые комедия, римейк и плагиат
«Политый поливальщик» 1895 года считается первой комедией в истории кинематографа. Сюжет его прост и незатейлив – человек поливает сад, мальчик подкрадывается к нему сзади и наступает на шланг. Когда садовник заглядывает в сопло, чтобы проверить, что случилось, мальчик поднимает ногу с шланга, и струя воды ударяет садовнику в лицо, после чего тот гонится за хулиганом. Короткий фильм был сделан братьями Люмьер, двумя пионерами кинематографа. Их комедия стала настолько популярна, что братья сделали по крайней мере еще одну версию «Поливальщика». Однако на заре кино авторское право далеко не всегда соблюдалось, поэтому Джордж Мельес сделал собственную версию этой комедии, в которой садовник догоняет шалуна и обливает его из шланга.
Историки до сих пор спорят относительно того, какой фильм является самым старым. Это действительно зависит от того, что считать фильмом. Некоторые люди считают родоначальником кино фотографа Эдварда Майбриджа, который изобрел зоопраксископ. Майбридж с помощью нескольких фотоаппаратов на растяжках экспериментировал с пофазовым фотографированием бегущей лошади. Затем на специальном аппарате он демонстрировал движение в динамике с помощью отдельных кадров.
Краткая история спецэффектов в кино Статьи редакции
Как изменились спецэффекты в фильмах за 110 лет: от первой анимации до захвата движений и 3D
После релиза первого трейлера фильма «Мир Юрского периода» многие пользователи сети начали возмущаться, что динозавры в картине 2015 года выглядят хуже, чем в оригинале 1993-го. Тем временем в среде кинематографистов начались активные споры о том, насколько сильно стоит полагаться на компьютерную графику: например, «Интерстеллар» и седьмой эпизод «Звёздных войн» снимали, пытаясь сократить её количество до минимума.
По этому поводу TJ решил углубиться в историю спецэффектов в кино и пройтись по её избранным вехам: от первой анимации до захвата движений и 3D.
Анимация
Кино без спецэффектов просуществовало очень недолго. Люди, открывшие для себя новое искусство, быстро начали придумывать, как можно показать на экране то, что раньше существовало исключительно в их фантазии.
Прообразом современной компьютерной графики, всё чаще достигающей фотореализма, стали первые анимационные фильмы. Чаще всего их рисовали авторы популярных в те времена комиксов, поэтому нынешнее засилье героев «книжек с картинками» в кинотеатрах можно считать своеобразным возвращением к корням.
Начиналось всё с простейших анимационных короткометражек, создатели которых с каждым новым кадром немного меняли исходное изображение, нанесённое на доску для рисования мелом, чтобы получить на плёнке движущиеся фигуры. Первой из сохранившихся до наших времён работ такого толка стала картина 1906 года «Юмористические выражения смешных лиц», которая представляет собой ровно то, что написано в её названии.
Первым успешным анимационным фильмом, который часто ошибочно называют «самым старым мультиком», стал «Динозавр Герти» 1914 года выпуска. Создание короткометражки о непоседливом бронтозавре потребовало титанического труда: для неё было приготовлено 10 тысяч рисунков, нанесённых на тонкие листы рисовой бумаги.
«Герти» стал первым анимационным фильмом, созданным по методу ключевых кадров, когда сначала рисуются так называемые кейфреймы, а затем промежуточные фазы, их соединяющие. Таким методом в последующие годы создавалась почти вся диснеевская классика, включая ранние похождения Микки Мауса. «Белоснежка и семь гномов», первая полнометражная анимация в истории, вышла в свет только спустя 33 года после премьеры «Герти».
Миниатюры
Параллельно с анимацией пионеры кинематографа развивали и другой способ запечатлеть невозможное — миниатюры. С прорывом в этой области ещё в 1902 году выступил знаменитый француз Жорж Мельес, которому не так давно Мартин Скорсезе посвятил свой первый 3D-фильм «Хранитель времени». Работа Мельеса по своему полёту фантазии, используемым приёмам и амбициям даже сейчас выглядит как настоящее голливудское кино.
В последующие десятилетия миниатюры использовались почти для всех самых зрелищных сцен. Спустя больше сотни лет это искусство по-прежнему с нами. Например, своей любовью к миниатюрам хорошо известен режиссёр Кристофер Нолан. Крепость из финала «Начала», динамичные эпизоды с бэтмобилем из «Тёмного рыцаря» — всё это снималось в небольших павильонах.
Финальная бойня в последнем фильме о Бонде («007: Координаты “Скайфолл»») тоже развернулась «на пятачке»: миниатюры из него можно воочию увидеть на выставке Bond in Motion в Лондоне.
Рисованные декорации
В 1907 году было документально зафиксировано первое применение так называемого «matte painting». Термин так и не нашёл для себя должного аналога в русском языке, но по сути этот способ стал прообразом современных хромакеев, с той лишь разницей, что в начале 20 века фон за декорациями рисовали не на компьютере во время пост-продакшна, а собственными руками. Задачей художников было создать рисунок, который гармонично бы смотрелся в кадре на фоне реквизита и актёров.
Matte или попросту рисованные декорации просуществовали вплоть до конца девяностых, когда им на смену постепенно начали приходить цифровые спецэффекты. Например, в финале «Крепкого орешка 2» использовался такой рисунок, однако перед попаданием на экраны он уже был дополнительно обработан на компьютере. Даже Джеймс Кэмерон в «Титанике» применял matte.
Кукольная мультипликация
Как и рисованные декорации, кукольная мультипликация в качестве спецэффекта не дожила до наших дней — сейчас её используют только в ностальгических анимационных фильмах вроде «Паранормана», да и там бесчисленные выражения лиц героев теперь создают на компьютере и печатают на 3D-принтере.
Первые эксперименты с этой крайне архаичной технологией начались ещё в 1890-е. Спустя полвека созданные таким образом персонажи уже убедительно сражались с актёрами в кадре. Эта работа требовала немало терпения: знаменитая драка со скелетами из фильма «Ясон и аргонавты» 1963 года выпуска длится порядка трёх минут, однако её съёмки заняли четыре месяца.
Дублирование
Один из самых «пижонских» спецэффектов кинематографа, благодаря которому один актёр может сыграть двух близнецов, впервые громко заявил о себе в фильме «Ловушка для родителей» 1961 года.
Первоначальный сценарий картины включал в себя лишь несколько сцен, в которых актриса Харли Миллс должна была появиться сразу в двух ипостасях одновременно: для остальных планировалось использовать дублёра. Однако первые тесты показали, что спецэффект выглядит убедительно, поэтому студия заново переписала скрипт так, чтобы главная «фишка» фильма использовалась по максимуму. В конечном итоге картина получила номинацию на «Оскар» за лучший монтаж.
Тогда для достижения эффекта камеру просто ставили на штатив, снимали два дубля, не сдвигая её с места, а затем накладывали кадры друг на друга при монтаже. Сложности возникали только тогда, когда героям было необходимо взаимодействовать друг с другом.
Крайне успешно освоил технику и Леонид Гайдай. В одной из сцен фильма «Иван Васильевич меняет профессию» актриса Наталья Крачковская поочерёдно трогает рукой двух героев Юрия Яковлева, одновременно находящихся в кадре. Этот эпизод с технической точки зрения выглядит безупречно до сих пор.
Куда более сложное воплощение идеи в фильме «Социальная сеть» представил режиссёр Дэвид Финчер. Сцены с участием близнецов Винклвоссов снимали с помощью дублёра, на лицо которого были нанесены специальные маркеры. Затем на этапе пост-продакшна его голову заменяли на голову актёра Арми Хаммера. В данном случае тернистый путь оказался для Финчера единственным возможным: найти хороших актёров-близнецов и так непросто, но когда речь идёт о фильме, требующем внешнего сходства с героями реальных событий, задача становится невыполнимой.
Система управления движением камеры
Во время работы над фильмом «Звёздные войны. Эпизод IV: Новая надежда» в конце семидесятых съёмочной группе удалось решить серьёзную проблему, над которой ломали голову многие кинематографисты. Зрелищные батальные сцены фильма создавались с помощью миниатюр, однако достигнуть эффекта скорости или динамики боя с помощью обычных камер не удавалось.
Чтобы зритель мог буквально пронестись между декорациями и моделями кораблей, сотрудники зародившейся тогда студии спецэффектов ILM во главе с Джоном Дайкстрой позаимствовали технологии у промышленных систем контроля, использовавшихся в сборочных цехах, и создали Dykstraflex — автоматическую систему управления съёмками.
С её помощью кинематографисты могли запрограммировать движения камеры на компьютере и показать на экране самые невероятные пролёты, которые не мог бы выполнить ни один оператор.
За своё изобретение Дайкстра получил премию «Оскар», а само оно впоследствии запустило гонку вооружений между студиями. На волне успеха «Звёздных войн» наметился бум фантастики, который требовал от индустрии самых последних достижений техники.
Компьютерная графика
Одним из первых известных фильмов с использованием двухмерной компьютерной графики стал фантастический вестерн «Западный мир» 1973 года, ремейком которого не так давно занялся канал HBO.
Чтобы получить картинку «из глаз робота», появляющуюся в нескольких сценах фильма, студии пришлось немало попотеть. Для этого снятые на плёнку кадры разделяли на небольшие квадратные сегменты, а затем вычисляли усреднённый цвет каждого их них.
Поскольку у студии не было цветного сканера, количество работы увеличивалось в несколько раз: весь процесс было необходимо повторять для одного чёрно-белого кадра, а также ещё для трёх, содержащих в себе красный, зелёный и голубой цвета. Обработка на компьютере 10-секундной сцены занимала около 8 часов, но полученный результат стал настоящим прорывом.
Первый полностью компьютерный персонаж появился в кино только в 1985 году в фильме «Молодой Шерлок Холмс». На создание короткого эпизода, в котором рыцарь, сделанный из фрагментов церковного витража, пугает священника, ушло около шести месяцев. Это достижение теперь приписывают студии Pixar, которая тогда ещё была частью Lucasfilm.
Аниматроника
После выхода первого трейлера фильма «Мир Юрского периода» в конце ноября многие пользователи сети жаловались, что ещё в «Парке Юрского периода» 1993 года динозавры выглядели более правдоподобно.
В каком-то смысле они недалеки от истины, ведь из 14 минут с участием динозавров в классической картине лишь четыре были реализованы с помощью компьютерной графики. Всё остальное время, включая знаменитую сцену с появлением тираннозавра, Стивен Спилберг полагался на аниматронику и переодетых в динозавров людей.
Модель альфа-хищника с короткими передними лапками, используемая в фильме, весила почти шесть тонн, но игра стоила свеч: картина до сих пор выглядит вполне убедительно и современно. А вдохновил режиссёра на использование аниматроники аттракцион студии Universal под названием King Kong Encounter, в котором зрители могли столкнуться лицом к лицу с полноразмерной копией легендарного примата.
Полнометражная компьютерная анимация
Студия Pixar, создавшая первого цифрового персонажа в кино, спустя десятилетие дала начало всей современной полнометражной компьютерной анимации. В 1995 году она выпустила легендарную «Историю игрушек». Многолетний опыт компании в области создания трёхмерной графики вылился в фильм, полюбившийся нескольким поколениям детей.
На создание 81-минутной картины ушло четыре года, 800 тысяч машинных часов, и терабайт дискового пространства. Благодаря «Истории игрушек», в наши дни классические анимационные фильмы остались разве что на телевидении, да и те производятся с помощью компьютеров.
Чтобы оценить, какой прогресс сделала Pixar прежде, чем решиться на свой кинотеатральный дебют, достаточно посмотреть их первую анимационную короткометражку 1984 года выпуска.
«Время пули»
«Матрица» братьев (а в наши дни — брата и сестры) Вачовски не только эффектно «закрыла» девяностые, став одним из самых важных фильмов последних лет двадцати и иконой киберпанка, но и устроила настоящий прорыв в области спецэффектов. Приёмы из этого фильма в нулевые не заимствовал только ленивый, и лишь Заку Снайдеру с его «300 спартанцами» спустя семь лет удалось перетянуть внимание кинематографистов на себя.
Главным достижением Вачовски, помимо десятков других смелых решений, стал эффект под названием «время пули» (bullet time). Ни один оператор в мире, живой или роботизированный, не может двигаться с достаточной скоростью для того, чтобы облететь человека, пока тот, уклоняясь от выстрелов, падает на спину. Поэтому Вачовски использовали несколько десятков камер, с каждой из которой взяли по одному кадру, чтобы создать невиданный доселе эффект.
В этом же году режиссёр Дэвид Финчер впервые в истории кино использовал фотограмметрию. В сцене взрыва квартиры из «Бойцовского клуба» его смущало, что камера отражается в стекле духовки, поэтому съёмочная группа создала фотореалистичные модели всех объектов на кухне на основе снимков, что развязало ей руки в выполнении любых операторских кульбитов. После этого Финчер ещё не раз применял этот эффект, создавая иллюзию несуществующей камеры, способной проникать сквозь объекты.
Захват движений
Какое бы количество аниматоров ни работало над компьютерным персонажем, он всегда двигался бы на экране не до конца естественно. Именно поэтому технология «motion capture» стала настоящим спасением для кинематографа и игровой индустрии.
Её громкий дебют в кино состоялся во второй части «Властелина колец» Питера Джексона: Голлум в исполнении актёра Энди Сёркиса стал первым компьютерным персонажем, активно взаимодействовавшим с живыми героями. Чтобы осуществить захват движений, каждую сцену с участием Сёркиса одновременно снимали 13 камер, после чего изображения собирались в единую 3D-модель, обладающую всеми основными чертами актёра.
Спустя два года на экраны вышел «Полярный экспресс» Роберта Земекиса, который многие зрители приняли за анимационный фильм, однако это было кино совершенно нового типа — все персонажи в нём были действительно сыграны настоящими актёрами. Картину много ругали за «стеклянные глаза» (движения зрачков тогда захватывать ещё не умели), да и последующие похожие работы Земекиса с треском провалились, однако это было лишь начало.
В 2009 году с технологией под названием «performance capture» на сцену вышел Джеймс Кэмерон со своим «Аватаром». Чтобы компьютерные персонажи на экране выглядели максимально правдоподобно, движения тел и лиц актёров вместе со звуком записывались одновременно. Такая синхронизация позволила создать самых реалистичных компьютерных персонажей в истории кино.
«Performance capture» прижилась и в компьютерных играх: практически всю анимацию для них в наше время создают таким образом.
Другая технология, которая неизменно ассоциируется с «Аватаром» — 3D. Безусловно, Кэмерон не был изобретателем 3D-фильмов (ещё в советские времена такие картины показывали в «стереокино»), однако вместе с Sony он создал компактную 3D-камеру, сделавшую 3D-съёмки доступными для всех, а также вынудил большинство кинотеатров мира заменить старые плёночные проекторы на цифровые с поляризационными очками, не искажающими цветов.
С момента выхода «Аватара» прошло пять лет, но он до сих пор остаётся самым совершенным 3D-фильмом из когда-либо снятых. Кэмерона объём интересовал с точки зрения глубины, а не эффекта «вылетающих» в зрительский зал предметов. Поэтому многие зрители до сих пор могут жаловаться на то, что их «обманули», если не увидят в новом блокбастере ни одного подобного трюка.
Полноценная 3D-съёмка до сих пор остаётся настоящей головной болью для кинематографистов (особенно, если речь идёт о солнечных бликах и крупных планах), поэтому многие студии предпочитают работать в 2D, а эффект объёма создавать уже на стадии пост-продакшна с помощью компаний, специализирующихся на подобных работах.
В 2014 году только половина самых кассовых блокбастеров имеет настоящее 3D, тогда как остальные представляют собой лишь сделанные наспех «диорамы». Именно такие конвертации и испортили имидж 3D, однако в 2016 году Кэмерон планирует установить новую планку качества: продолжения «Аватара» будут сниматься при 48 кадрах в секунду с революционным подводным «performance capture», но, в отличие от «Хоббита», также снятого с таким же фреймрейтом, фильм не должен напоминать бюджетную телевизионную постановку. Кэмерон ставит перед собой задачу сделать 3D плавным и оттого более приятным для глаз.
Кэмерон нам всем ещё покажет,
Вадим Елистратов,
TJ