в каком веке зародился балет
КРАТКАЯ ИСТОРИЯ БАЛЕТА
Балет — искусство довольно молодое. Ему немногим более четырехсот лет, хотя танец украшает жизнь человека с древнейших времен. Родился балет в Северной Италии в эпоху Возрождения. Итальянские князья любили пышные дворцовые празднества, в которых танец занимал важное место. Сельские пляски не подходили придворным дамам и кавалерам. Их одеяния, как и залы, где они танцевали, не допускали неорганизованного движения. Специальные учителя — танцмейстеры — старались навести порядок в придворных танцах. Они заранее репетировали с дворянами отдельные фигуры и движения танца и руководили группами танцующих. Постепенно танец становился все более театральным.
Термин «балет» появился в конце XVI века (от итальянского balletto — танцевать). Но означал он тогда не спектакль, а лишь танцевальный эпизод, передающий определенное настроение. Такие «балеты» состояли обычно из мало связанных между собой «выходов» персонажей — чаще всего героев греческих мифов. После таких «выходов» начинался общий танец — «большой балет».
Первым балетным спектаклем-представлением стал «Комедийный балет Королевы», поставленный в 1581 году во Франции итальянским балетмейстером Бальтазарини ди Бельджойозо.
В царствование Людовика XIV спектакли придворного балета достигли особого великолепия. Людовик сам любил участвовать в балетах, и свое знаменитое прозвище «Король-Солнце» получил после исполнения роли Солнца в «Балете ночи».
В 1661 году он создал Королевскую академию музыки и танца, в которую вошли 13 ведущих танцмейстеров. Их обязанностью стало сохранение танцевальных традиций. Директор академии, королевский учитель танцев Пьер Бошан, определил пять основных позиций классического танца.
Вскоре была открыта Парижская опера, балетмейстером которой был назначен тот же Бошан. Под его началом была сформирована балетная труппа. На первых порах в ее составе были одни мужчины. Женщины на сцене Парижской оперы появились лишь в 1681 году.
В театре ставились оперы-балеты композитора Люлли и комедии-балеты драматурга Мольера. В них поначалу участвовали придворные, а спектакли почти не отличались от дворцовых представлений. Танцевали уже упоминавшиеся медленные менуэты, гавоты и паваны. Маски, тяжелые платья и туфли на высоких каблуках мешали женщинам выполнять сложные движения. Поэтому мужские танцы отличались тогда большей грациозностью и изяществом.
К середине XVIII века балет завоевывал большую популярность в Европе. Все аристократические дворы Европы стремились подражать роскоши французского королевского двора. В городах открывались оперные театры. Многочисленные танцовщики и учителя танцев легко находили себе работу.
Вскоре под влиянием моды женский балетный костюм стал значительно легче и свободнее, под ним угадывались линии тела. Танцовщицы отказались от обуви на каблуке, заменив ее на легкие бескаблучные туфельки. Менее громоздким стал и мужской костюм: панталоны в обтяжку до колен и чулки позволяли разглядеть фигуру танцовщика.
Каждое новшество делало танцы осмысленнее, а танцевальную технику — выше. Постепенно балет отделился от оперы и превратился в самостоятельное искусство.
Хотя французская балетная школа славилась изяществом и пластичностью, ей была свойственна некоторая холодность, формальность исполнения. Поэтому балетмейстеры и артисты искали иные выразительные средства.
В конце XVIII века родилось новое направление в искусстве — романтизм, оказавший сильнейшее влияние на балет. В романтическом балете танцовщица встала на пуанты. Первой это сделала Мария Тальони, полностью изменив прежние представления о балете. В балете «Сильфида» она предстала хрупким существом из потустороннего мира. Успех был ошеломляющий.
В это время появилось множество замечательных балетов, но, к сожалению, романтический балет стал последним периодом расцвета танцевального искусства на Западе. Со второй половины XIX века балет, потеряв свое прежнее значение, превратился в придаток к опере. Лишь в 30-е годы XX века под влиянием русского балета началось возрождение этого вида искусства в Европе.
В России первый балетный спектакль — «Балет об Орфее и Евридике» — поставлен 8 февраля 1673 года при дворе царя Алексея Михайловича. Церемонные и медлительные танцы состояли из смены изящных поз, поклонов и ходов, чередовавшихся с пением и речью. Никакой существенной роли в развитии сценического танца он не сыграл. Это была лишь очередная царская «потеха», привлекавшая своей необычностью и новизной.
Только спустя четверть века, благодаря реформам Петра I, музыка и танец вошли в быт русского общества. В дворянские учебные заведения ввели обязательное обучение танцам. При дворе начали выступать выписанные из-за границы музыканты, оперные артисты и балетные труппы.
В 1738 году открылась первая в России балетная школа, и через три года 12 мальчиков и 12 девочек из дворцовой челяди стали первыми в России профессиональными танцовщиками. Поначалу они выступали в балетах иностранных мастеров в качестве фигурантов (так называли артистов кордебалета), а позже в главных партиях. Замечательный танцовщик того времени Тимофей Бубликов блистал не только в Петербурге, но и в Вене.
В начале XIX века русское балетное искусство достигло творческой зрелости. Русские танцовщицы внесли в танец выразительность и одухотворенность. Очень точно это почувствовав, А. С. Пушкин назвал танец своей современницы Авдотьи Истоминой «душой исполненный полет».
Балет в это время занял привилегированное положение среди других видов театрального искусства. Власти уделяли ему большое внимание, предоставляли государственные субсидии. Московская и петербургская балетная труппы выступали в хорошо оборудованных театрах, а выпускники театральных училищ ежегодно пополняли штат танцовщиков, музыкантов и декораторов.
В истории нашего балетного театра часто встречаются фамилии иностранных мастеров, сыгравших немалую роль в развитии русского балета. В первую очередь, это Шарль Дидло, Артур Сен-Леон и Мариус Петипа. Они помогли создать русскую школу балета. Но и талантливые русские артисты давали возможность раскрыться дарованиям своих учителей. Это неизменно привлекало в Москву и Петербург крупнейших хореографов Европы. Нигде в мире они не могли встретить такой большой, талантливой и хорошо обученной труппы, как в России.
В середине XIX века в русскую литературу и искусство пришел реализм. Балетмейстеры лихорадочно, но безрезультатно пытались создать реалистические спектакли. Они не учитывали, что балет — искусство условное и реализм в балете значительно отличается от реализма в живописи и литературе. Начался кризис балетного искусства.
Содержание спектаклей было примитивным, незамысловатые сюжеты служили лишь поводом для эффектных танцев, в которых артисты демонстрировали свое мастерство. Для танцоров главной стала отточенность формы и техники классического танца, и в этом они достигли виртуозности.
Новый этап в истории русского балета начался, когда великий русский композитор П. Чайковский впервые сочинил музыку для балета. Это было «Лебединое озеро». До этого к балетной музыке серьезно не относились. Она считалась низшим видом музыкального творчества, всего лишь аккомпанементом к танцам.
Благодаря Чайковскому балетная музыка стала серьезным искусством наряду с оперной и симфонической музыкой. Раньше музыка полностью зависела от танца, теперь танцу приходилось подчиняться музыке. Потребовались новые средства выразительности и новый подход к созданию спектакля.
Дальнейшее развитие русского балета связано с именем московского балетмейстера А. Горского, который, отказавшись от устаревших приемов пантомимы, использовал в балетном спектакле приемы современной режиссуры. Придавая большое значение живописному оформлению спектакля, он привлекал к работе лучших художников.
Но подлинный реформатор балетного искусства — Михаил Фокин, восставший против традиционного построения балетного спектакля. Он утверждал, что тема спектакля, его музыка, эпоха, в которую происходит действие, требуют каждый раз иных танцевальных движений, иного рисунка танца. При постановке балета «Египетские ночи» Фокина вдохновляли поэзия В. Брюсова и древнеегипетские рисунки, а образы балета «Петрушка» навеяла ему поэзия А. Блока. В балете «Дафнис и Хлоя» он отказался от танцев на пуантах и в свободных, пластичных движениях оживил античные фрески. Его «Шопениана» возродила атмосферу романтического балета. Фокин писал, что «мечтает создать из балета-забавы балет-драму, из танца — язык понятный, говорящий». И ему это удалось.
В 1908 году начались ежегодные выступления артистов русского балета в Париже, организованные театральным деятелем С. П. Дягилевым. Имена танцовщиков из России — Вацлава Нижинского, Тамары Карсавиной, Адольфа Больма — стали известны во всем мире. Но первым в этом ряду стоит имя несравненной Анны Павловой.
Павлова — лиричная, хрупкая, с удлиненными линиями тела, огромными глазами — вызывала в памяти гравюры с изображением романтических балерин. Ее героини передавали чисто русскую мечту о гармоничной, одухотворенной жизни или тоску и грусть о несбывшемся. «Умирающий лебедь», созданный великой балериной Павловой, — поэтический символ русского балета начала XX века.
Именно тогда, под влиянием мастерства русских артистов, встряхнулся и обрел второе дыхание западный балет.
После Октябрьской революции 1917 года многие деятели балетного театра покинули Россию, но, несмотря на это, школа русского балета уцелела. Пафос движения к новой жизни, революционная тематика, а главное простор творческого эксперимента вдохновляли мастеров балета. Перед ними стояла задача: приблизить хореографическое искусство к народу, сделать его более жизненным и доступным.
Так возник жанр драматического балета. Это были спектакли, обычно основанные на сюжетах известных литературных произведений, которые строились по законам драматического спектакля. Содержание в них излагалось с помощью пантомимы и изобразительного танца. В середине XX века драматический балет переживал кризис. Балетмейстеры предпринимали попытки сохранить этот жанр балета, усиливая зрелищность спектаклей с помощью сценических эффектов, но, увы, тщетно.
В конце 1950-х годов наступил перелом. Хореографы и танцовщики нового поколения возродили забытые жанры — одноактный балет, балетную симфонию, хореографическую миниатюру. А с 1970-х годов возникают самостоятельные балетные труппы, независимые от оперно-балетных театров. Их число постоянно увеличивается, среди них появляются студии свободного танца и танца модерн.
Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов
Балет
Содержание
История
Зарождение балета
В начале как объединённая единым действием или настроением танцевальная сценка, эпизод в музыкальном представлении, опере. Заимствованный из Италии, во Франции расцветает придворный балет как пышное торжественное зрелище. Началом балетной эпохи во Франции и во всем мире следует считать 15 октября 1581 года. Первый балет назывался «Комедийный балет королевы» (или «Церцея»), поставленный итальянцем Бальтазарини. Музыкальную основу первых балетов составляли народные и придворные танцы, входившие в старинную сюиту. Во второй половине XVII века появляются новые театральные жанры, такие как комедия-балет, опера-балет, в которых значительное место отводится балетной музыке, и делаются попытки её драматизировать. Но самостоятельным видом сценического искусства балет становится только во второй половине XVIII века благодаря реформам, осуществлённым французским балетмейстером Жан Жоржем Новером. Основываясь на эстетике французских просветителей, он создал спектакли, в которых содержание раскрывается в драматически выразительных образах.
Дальнейшее развитие балета
Русский балет
В России первый балетный спектакль состоялся 8 февраля 1673 г. при дворе царя Алексея Михайловича в подмосковном селе Преображенское. Национальное своеобразие русского балета начало формироваться в начале XIX века благодаря деятельности французского балетмейстера Шарля-Луи Дидло. Дидло усиливает роль кордебалета, связь танца и пантомимы, утверждает приоритет женского танца. Настоящий переворот в балетной музыке произвёл Пётр Ильич Чайковский, который внёс в неё непрерывное симфоническое развитие, глубокое образное содержание, драматическую выразительность. Музыка его балетов «Лебединое озеро», «Спящая красавица», «Щелкунчик» обрела наряду с симфонической возможность раскрывать внутреннее течение действия, воплощать характеры героев в их взаимодействии, развитии, борьбе. Начало XX века ознаменовалось новаторскими поисками, стремлением преодолеть стереотипы, условности академического балета XIX века.
Танец модерн
Танец модерн — направление в танцевальном искусстве, появившееся в начале XX века как результат ухода от строгих норм балета, в пользу творческой свободы хореографов.
От балета отталкивался свободный танец, создателей которого интересовала не столько новая техника танца или хореография, сколько танец как особая философия, способная изменить жизнь. Это возникшее в начале XX века движение (родоначальницей пластического балета считается Айседора Дункан) служило истоком многих направлений современного танца и дало импульс реформе самого балета.
Терминология
Балетная лексика и названия балетных pas пишутся на французском языке, в старинном балете термины отражали какой-либо образ, например: движение кошки (фр. pas de chat ), рыбки (фр. pas de poisson ), ножниц (фр. pas de ciseaux ) и другие.
Некоторые термины на слух, и используются в других областях, так как имеют общий корень, например, движение фуэте (фр. fouetté ) с общим словом «взбитые», во французской кулинарии означает «взбитые сливки» (фр. crème fouettée )
Балет как искусство
В своей эволюции балет всё больше приближается к спорту, теряя по дороге драматургическое значение роли, порой опережает в технике, но отстаёт в содержании.
В комплексном обучении профессионала — артиста необходимо знание музыкальной культуры, истории, литературы и сценарной драматургии. В то же время с семи лет дети проходят гимнастическую подготовку, потому как балеты прошлого, сохранившиеся до наших дней, технически усовершенствовались, а балет модерн на классической основе, например балет Форсайта, требует серьёзной физической подготовки, так балерина Сильви Гиллем начинала свой творческий путь именно с гимнастики.
Старинные балеты имели возвышенную эстетику, иногда ставились на античные сюжеты, например постановка Шарля Дидло «Зефир и Флора»
В XVIII — XIX веках артист мог быть одновременно актёром и танцовщиком, так как особого развития физических возможностей не требовалось.
«Музыкально ожившие» картины родились из серии «заграничных» рисунков Виктора Гартмана, увиденных в 1874 году на выставке Модестом Мусоргским, который в память о друге написал для фортепиано знаменитую сюиту — серию музыкальных картин — «Картинки с выставки», изданную в 1886 году, в редакции Н. А. Римского-Корсакова и многократно оркестрованную.
Известный балетный номер «Баба Яга», поставленный Леонидом Якобсоном [5] на оркестрованный музыкальный номер М. П. Мусоргского, стал неотъемлемым эстетическим нюансом всех концертных программ.
Таким образом, живопись ожила сначала музыкально, затем пластически.
Интересные факты
История балета
Когда танец превращается в музыкально-сценическое представление, начинается балет. Эта высшая ступень хореографического творчества искусно переплетает в себе живопись, музыку, хореографию, превращаясь в слаженный спектакль, который не оставляет никого равнодушным.
Основоположником классического балета был Людовик XIV. Именно он отделил от блистательных балов балет в отдельную форму представления, и сам дебютировал в «Балете Кассандры» в 1651 году, будучи тринадцатилетним юношей. Через пару лет появился новый спектакль – «Королевский балет ночи», в котором он сверкал в роли Восходящего солнца. Отсюда и пошло его прозвище – Король-солнце. Его таланту и востребованности могут позавидовать современные танцовщики: по 5-6 ролей в каждом представлении. Более того, выступал он не только перед льстивыми придворными, но и в настоящих театрах перед многотысячной публикой. В 1661 году в Париже по его указу открылась Королевская академия танца, но все же большее значение тогда отдавалось костюмам и музыке. Жан Жорж Новер, балетмейстер из Франции, стал реформатором, придав жанру уже привычные нам хореографические очертания. Стоит отметить, что до 1681 года в балете принимали участие только мужчины. Первой балериной стала мадмуазель Ла Фонтен, легендарная танцовщица.
Развитие балета в России
Многие страны адаптировали новый вид сценического искусства под свои традиции и культуру. В XVIII в прорубленное Петром I окно в Европу балет влетел в Российскую империю. Многие исследователи относят скоморохов и шутов при дворе Алексея Михайловича к первым героям балетных постановок, но это в корне неверно – в допетровской России не было аналогов балета. Менуэты, контрдансы и прочие непонятные тогда русской публике термины появились при его сыне, незамедлительно издавшем указ обучать молодёжь танцам. Колыбелью русского балета стал Сухопутный шляхетный корпус, основанный Анной Иоанновной в 1731 году. Будущие военные после окончания должны были блистать в высшем обществе, поэтому хореографическому искусству уделялось особое внимание. Основоположником этого жанра в России справедливо считают Жана Батиста Ланде, танцмейстера корпуса. В 1738 году ему позволили открыть «Танцевальную школу Её Императорского Величества» (ныне Академия русского балета А. Я. Вагановой). Любили балет и Елизавета Петровна, и Екатерина II, в эпоху которой получили развитие труппы при помещичьих дворах. Петербургский балет XIX практически полностью сочинён хореографами из Франции – от Шарля Дидло до не менее гениального Мариуса Петипа. Императорская благосклонность к этому виду искусства росла с каждым спектаклем. В творчестве П. И. Чайковского присутствовала единая музыкальная концепция: оркестр создавал определённую атмосферу, предоставляя публике улавливать эмоции и чувства. В 1877 году состоялась постановка легендарного «Лебединого озера».
В XX веке кропотливо созданный театр француза Петипа начал постепенно терять позиции: требовалось что-то новое, модернистское. Тогда до Петербурга докатилась волна экспериментов Дягилева, чьи балерины мало чем отвечали эстетике классического танца, – примы танцевали небрежно, но не без артистической гениальности, как Анна Павлова, и не без определённого стиля, как Тамара Карсавина. Ну и как же не упомянуть скандально известную Матильду Кшесинскую – простой народ не бывал в театре, но её светской жизнью интересовались все. После революции многие труппы были вынуждены эмигрировать, поэтому русский балет мог и не сохраниться до нашего времени, если бы не искусствовед Анатолий Васильевич Луначарский – благодаря ему большевики разрешали «яркий и возвышенный балет». Во второй половине XX века появится настоящий гений с феноменальным прыжком и гибкой спиной – Майя Плисецкая – выдающаяся балерина советского времени, навечно вписавшая своё имя в мировую историю балета.
Современный балет не забывает о классической вековой школе и одновременно борется со стандартами. Спектакли становятся всё смелее и эпатажнее, а мода на оригинальное прочтение традиционных постановок не проходит. Отечественные балетмейстеры продолжают восхищать публику своим искусством, в очередной раз подтверждая, что русский балет неспроста считают одним из лучших в мире. А билеты на балет в Большой театр, несмотря на немалую стоимость, раскупаются на месяцы вперёд.
Парк-музей «ЭТНОМИР»
Калужская область, Боровский район, деревня Петрово
Этнографический парк-музей «ЭТНОМИР» – уникальное пространство диалога культур, территория путешествий, открытий, вдохновения, образования и любви.
Здесь на площади в 140 га расположены этнодворы разных стран и уникальная Улица Мира. Приобщитесь к культуре разных народов, ощутите особенную атмосферу перекрёстка миров, отдохните на природе, насладитесь нашими лучшими образовательными, культурными и развлекательными программами!
В нашем парке-музее можно примерить национальные костюмы, освоить редкие ремёсла, купить сувениры, сделать своими руками полезные вещицы, попробовать блюда национальной кухни разных стран, посетить парк аттракционов и многое другое. Обойти за день все интересные уголки невозможно, поэтому к услугам посетителей уникальные этнические отели – избы, мазанки, юрты, чумы, гималайский и непальский дома и даже индийский дворец.
Изящество, утонченность и возвышенность: история балета
Многие из нас за всю свою жизнь ни разу не видели балет. А кто-то и не стремится увидеть, ведь считает это дело скучным, занудным и неинтересным. Хотя на самом деле, балет – это именно то, на что обязательно нужно посмотреть. Он заворожит вас и ни в коем случае не оставит равнодушным никого. Сегодня все секреты балета и его развития раскрывает наш эксперт Анна Сизоненко — историк, специализация: история моды и искусств.
Изящество, утонченность, возвышенность – вот ассоциации, которые рождаются при слове «балет». Это искусство, вызывающее трепет, ведь любой, даже далекий от танца и театра человек, знает, что балет – жертвенное служение. Это тяжелый труд и самоотверженность. В этой сфере невозможно достигнуть ничего, если не класть на алтарь саму себя, свое тело, свое время, молодость, свои желания. Недаром балерины говорят: «Прежде чем идти в балет, необходимо принять тот факт, что для этого придется отдать всё. И осознать, что для вас важнее – всё или балет?».
Балет, особенно в нашей стране, ниша очень традиционная. В нем редко происходят радикальные изменения, редко вводятся новшества. Он устойчив, как некая религия, и правила его практически непреложны. Развитие этого вида искусства до уровня, который мы видим сейчас, заняло несколько веков.
Фото: liveinternet
Зародился балет во всемирной колыбели искусств — Италии, в эпоху Ренессанса. Изначально танец не представлял собой центрального действия, а был лишь хореографической вставкой в более масштабные музыкальные представления. Наряду с музыкальными, в спектакле были и драматические сцены. Слуги развлекали своих господ подобными выступлениями во время дворцовых пиршеств. Сами аристократы танцевали специально поставленные чинные танцы, составленные хореографами. В те времена хореографов было совсем немного. Самым известным из них был Доменико из Пьяченца, который ставил танцы для празднеств, где собиралось итальянское дворянство. Его принято считать праотцом балета, ведь именно он в своих трактатах о танце ввел термин – «ballo», который позже трансформировался в «balli», а затем и в «balletto», что очень близко к современному звучанию. Этот термин означал танцевальный эпизод, передающий определенное настроение.
Широко распространившись в Италии, балет пришелся ко двору и во Франции. Многие связывают это с браком французского принца Генриха и наследницей известнейшей итальянской семьи Екатериной Медичи, которая привезла с собой в Париж множество новшеств со своей родины. Конечно же, изящные танцы не могли не понравиться утонченному французскому дворянству. Мода разошлась. И далее придворный балет развивался уже главным образом во Франции. Представления по-прежнему не были чисто танцевальными, в них также были песни и декламации стихов. С течением времени интерес к балету только возрастал. Это искусство считалось особенно интеллектуальным и утонченным. Настолько, что король Людовик XIII собственноручно написал балет в 16 актах, известный нам по всеми любимому фильму «Марлезонский балет», который был исполнен совместно членами королевской семьи, придворными и профессиональными танцорами.
Огромный шаг вперед балет сделал во времена одного из величайших монархов Франции Людовика XIV, который был известен своей неутолимой страстью ко всему прекрасному. В 1661 году он основал первую в мире академию танца, руководителями которой стали придворный композитор Жан-Батист Люлли и хореограф Пьер Бошан. Эти люди определили дальнейшее развитие балета. Люлли постановил зависимость танцевальных движений от построения музыкальных фраз, а характер танцевальных движений – от характера музыки. В свою очередь, Бошан начал создавать терминологию классического балета. С тех времен и по сей день французский язык имеет такое же значение в балете, как латынь в медицине.
Первой профессиональной женщиной-балериной в то время стала мадемуазель Лафонтен. (К сожалению, её имя не сохранилось до настоящих времен. Для официального представления в XVII-XVIII веках использовалась только фамилия – прим. автора). Ее роли были невелики – ведь в те времена в артистических профессиях правили мужчины, а женщины лишь изредка танцевали вспомогательные партии. Тем не менее даже скромные эпизоды в ее исполнении привлекали внимание своей грациозностью, и покоряли сердца зрителей. А грациозность, очевидно, давалась нелегко – ведь танцевать приходилось в длинных, тяжелых платьях и в туфельках на каблуках.
Ее неоспоримый успех у публики особенно не повлиял на лидерство мужчин в балете. Только появление в 1710 году в театре Гранд-Опера Мари Камарго заставило мужчин-танцовщиков несколько потесниться. Эта девушка, очевидно, обладала большой смелостью и амбициями. Во время одного из представлений она воспользовалась минутным замешательством растерявшегося танцора и сымпровизировала сольный танец перед удивленными зрителями. Скандал не заставил себя долго ждать, однако выходка мадемуазель Камарго пробудила всеобщий интерес к женскому танцу. Благодаря ее храброй вольности, балерины медленно, но верно стали выходить на первый план, превосходя мужчин грацией и легкостью исполнения.
Свой законченный вид, как отдельный вид искусства балет получает во второй половине XVIII века, благодаря балетмейстеру-революционеру Жану-Жоржу Новеру. (Заслуги его так велики, что по решению ЮНЕСКО день его рождения 29 апреля с 1982 года отмечается, как международный день танца.) В постановках Новера больше не было слов и песен. Все было подчинено танцу, который, по его мнению, должен заключать в себе всю драматическую мысль. Он добился того, что эмоции, выраженные не вербально, а лишь движениями человеческих тел, вызывали бурный отклик в зрительном зале. Прежде такого никто не мог представить.
В 1790-х годах прекратилось использование обуви на каблуках в балете. Костюмы женщин и мужчин стали существенно легче, что расширило возможности танцоров.
Многие выдающиеся исполнители вносили свои особенности в искусство балета, обогащая его и доводя до совершенства. Так Мария Тальони в 1822 году впервые использовала технику исполнения танца на пальчиках ног. Это произвело революцию в танце. Вскоре с легкой руки английских артистов балета были введены пуанты.
Фото: dancedb
В Россию балет пришел во второй половине семнадцатого века, и с тех пор интерес к этому искусству в нашей стране не утихал. В Российской Империи он занимал первенствующее место по отношению к другим видам сценического искусства. Александр Сергеевич Пушкин писал: «Балеты исполнены живости воображения и прелести необыкновенной. Иной находит в них гораздо более поэзии, нежели в литературе».
Знаменитая балерина русской сцены итальянского происхождения Пьерина Леньяни произвела переворот в балете, впервые исполнив многочисленные повороты фуэте, не сходя с одного места. За ней технику исполнения этого движения освоила небезызвестная Матильда Кшесинская, а за ней и другие балерины.
Настоящую революцию в балетной музыке произвел Петр Ильич Чайковский, создавший три главных балета всех времен: «Щелкунчик», «Лебединое озеро» и «Спящая красавица». Эти произведения и их постановки получили мировое признание, как не имеющие равных по глубине драматургического содержания и красоте образной выразительности.
Начало XX века ознаменовалось новаторскими поисками, стремлением преодолеть стереотипы, условности академического балета XIX века.
Большую роль в признании исключительности российского мастерства сыграли «Русские сезоны» Сергея Павловича Дягилева — такое название получили ежегодные гастроли (1908 – 1929) русских артистов балета в Париже. Труппа балетных сезонов была набрана из ведущих танцовщиков Мариинского театра в Петербурге и Большого театра в Москве. Они популяризировали русскую культуру в Европе и способствовали установлению моды на всё русское.
Во всем мире непревзойденным исполнением считались партии русских балерин Лебедь Анны Павловой, Джульетта Галины Улановой и Кармен Майи Плисецкой.
А Михаилу Барышникову, известному русскому танцору, сам Иосиф Бродский посвятил несколько стихотворений, в том числе «Классический балет есть замок красоты…». Россия по сей день имеет наиболее признанную традицию балета, который считается особым национальным достоянием.
Фото: liveinternet
Карьера танцовщицы похожа на полет кометы – короткий миг, наполненный красотой. Обязательный стаж у артистов балета – всего 20 лет, и то, если повезло сохранить здоровье. Выходят на пенсию лет в 38, а в США — гораздо раньше — в 32 года. Однако знатоки искусства говорят, что истинная балерина начинается с 35 лет. До этого она танцует так, как её учили, и лишь перейдя этот возрастной порог, она начинает творить в своем собственном неповторимом стиле. Примером этого утверждения служит Галина Уланова, которая впервые покорила лондонскую публику в 46 лет. Таким же исключением из правил служит Майя Плисецкая, которая ушла со сцены Большого театра в 63 года!
Современный балет немного расширяет установленные рамки. Особенно на Западе. Там сейчас можно увидеть балерин нетипичного для профессии телосложения. Такую славу получила Мисти Коупленд (Misty Copeland) – ведущая солистка Американского театра балета и одна из самых известных балерин в США. Эта чернокожая танцовщица имеет большую грудь и ярко выраженные мышцы, что не соответствует стандартам физических данных в балете. Кроме того, она начала свое обучение в 13 лет, что также немыслимо в мире, где первые уроки начинают брать в 4-5 лет.
Сегодняшний западный балет также отличается большей свободой в своих постановках. Там балет предназначается не для узкой аудитории академических театров, а для массовой публики. Такие знаменитые хореографы, как Маги Марен, Филипп Декуфле, Мурад Мерзуки, Жером Бель, Бьянка Ли и многие другие ставят по-настоящему зрелищные и авангардные постановки, не ограничиваясь никакими канонами.
Российские мастера танца критикуют европейских и американских коллег за несовершенную технику и пренебрежение классикой, как основой искусства. В российском балете преимущественно держатся традиций и гордятся образцовой пластикой. Хотя, конечно модерн нашел свое место в сердцах русских ценителей. Стоит отметить метаморфозы, которые провел в начале 90-х знаменитый артист и режиссер Андрис Лиепа. Он возродил традицию проведения «Русских сезонов», а также ставил балетные спектакли с лазерными световыми шоу. Также большой интерес представляют постановки Бориса Эйфмана, заслужившего репутацию балетного бунтаря, которому мучительно тесно в рамках классического консервативного танца.
Казалось бы, в современном мире, при огромном множестве развлечений и зрелищ, балет должен отойти хотя бы на второй план. Но он лишь набирает популярность во всех своих проявлениях. По всем миру открываются все новые балетные школы, которые готовят профессионалов, а также отмечается большой спрос на занятия «Body-ballet» среди простых смертных – такие уроки помогают сохранять фигуру, формируют царственную осанку и позволяют хоть немного прикоснуться к любимому искусству. По всему миру на тему балета снимаются все новые фильмы, и запускаются телепроекты. Одним из заслуживающих внимания является конкурс «Большой балет», в котором учавствуют ведущие солисты известных балетных трупп, а в состав жюри вошли звезды мирового балета.
Фото: liveinternet
Если вы еще не испытали удовольствие от посещения балета, то вам обязательно стоит наверстать упущенное. Главное правило зрителя – на балете нельзя скучать, даже если вы не уверены в степени тонкости своей душевной организации и способности длительно внимать классике. Новичку нужно подготовиться к посещению спектакля: заранее ознакомиться с музыкой и историей постановки, и обязательно прочитать либретто — это очень облегчит вам понимание и значительно улучшит впечатления. Обычно содержание спектакля и сведения о танцорах печатаются в программках, которые можно купить в театре. Потратив немного времени на такую подготовку, вы также избежите опасности выглядеть невеждой, притворяющимся знатоком и засыпающим в кресле. Лучшая награда артистам – это ваши искренние восхищенные аплодисменты. Ради этого они неустанно трудятся всю свою жизнь, поэтому по окончанию последнего акта, будьте вежливы, и не спешите сразу в гардероб, а отблагодарите таких хрупких и таких сильных танцоров бурными овациями.
Фото: liveinternet