Что такое цифровой рисунок

Краткая история развития цифровой живописи

В честь дня 2D художника вспоминаем людей, технику и программы, благодаря которым рисование на компьютере стало возможным.

2 декабря — день, когда можно поздравлять всех 2D художников с профессиональным праздником. Дату выбрали не случайно, а из-за удачного созвучия: 2nd of December —> 2D day. В честь этого неофициального, но родного праздника решили поговорить о том, как возникли и эволюционировали графические редакторы.

В 50-х годах началось развитие CG (computer graphics) как направления. Целью было создать инструмент, который помог бы ученым и инженерам визуализировать результаты исследований. Разработка началась в исследовательских центрах Bell Labs и Boeing, а в 60-х и 70-х к задаче подключились исследовательские университеты штатов Огайо, Юты и Северной Каролины, а также MIT, NYIT и Корнеллский университет.

Первый графический редактор был разработан Айвеном Сазерлендом (Ivan Satherlend) в 1963 году во время работы над кандидатской диссертацией в MIT. Sketchpad умел чертить ровные линии, увеличивать и уменьшать изображение, создавать трехмерные объекты. В эти времена никто еще не слышал о чем-либо подобном компьютерной графике, и мало кто представлял, что на компьютере можно будет рисовать или ретушировать фотографии.

Для работы в программе использовалось световое перо, которым можно было рисовать прямо на экране монитора.

Спустя 21 год, в 1984 году появилась MacPaint — программа для первого компьютера семейства Macintosh. Софт был довольно простым, как по функциям, так и с точки зрения интерфейса. Любопытно, что современный художник легко разберется в инструментах MacPaint, так как иконки не претерпели значительных изменений до сих пор.

Пользователи MacPaint могли работать только в одном окне и с одной картинкой. Размер окна и его положения нельзя было поменять, как и подвигать панели инструментов. Прочие программы для Mac уже умели производить такие операции, так что все эти ограничения сильно вредили MacPaint. Это ограничение сняли в версии 2.0.

Зато внутри MacPaint уже можно было двигать изображение, еще и без эффекта мерцания! Для этого софт использовал два отдельных буфера обмена: в одном хранились пиксели текущего положения, а во втором — пиксели предыдущего. Возможность вернуться к предыдущему состоянию рисунка подарила цифровым художникам их любимую функцию — отмену последнего действия.

Вместо привычного зума в программе использовали функцию FatBits: с ее помощью можно было увеличить небольшой участок полотна в 8 раз и изменять положение отдельных пикселей.

Для Mac существовал не только растровый редактор, но и векторный. Его назвали MacDraw. Программа использовалась прежде всего для создания диаграмм, блок-схем и чертежей. Благодаря интеграции с текстовым редактором к чертежам можно было добавлять пометки, что было весьма нужной функцией.

P.S. Если вам интересно, почему сейчас в основном речь идет о Mac, то причина простая: Windows 1.0 появилась только в 1985 году.

Нового графического редактора для Mac уже не пришлось ждать два десятилетия. Всего через два года, в 1986 г, появился SuperPaint. Теперь с растровыми и векторными изображениями можно было работать в одной программе, а еще в арсенале художников начали появляться новые функции: сначала автообводка, потом кривые Безье, вскоре добавились горячие клавиши и возможность настраивать панель инструментов и т.д.

В 1991 году вышел SuperPaint версии 3.0 с поддержкой цветных изображений, а к 1993 году SuperPaint даже научился работать с инструментами, реагирующими на силу нажатия.

Источник

Цифровая графика против цифровой живописи: Какова разница и почему вы должны это знать

Если вы мечтаете хорошо рисовать, но у вас нет большого опыта работы, скорее всего вы связываете его с карандашом. Но то, что вы действительно хотите, это выпустить ваши идеи из своей головы, и простого карандаша для этого не достаточно. Графический планшет, используемый с хорошим программным обеспечением, кажется лучше подходит — там есть все цвета, которые вам нужны, а также он позволяет устранять любые ошибки без следа.

Но с этим существует одна большая проблема. Перо планшета, хотя напоминает карандаш, может использоваться как целый набор различных кистей, пастели, угля, маркеров и даже ластиков. Вы можете его использовать, чтобы «покрыть» экран акриловыми красками, масляными красками и чернилами, а также смешать их все в нечто совершенно новое. Это один большой универсальный инструмент — и поэтому не может использоваться как карандаш!

Если у вас есть некоторый опыт работы с карандашом, даже из детства, и вы хотите использовать графический планшет эффективно, вы можете сделать усилие и найти хороший учебник. Это потому, что в традиционном искусстве, «графика» и «живопись» являются двумя полностью отдельными вещами, с различными инструментами, которые нужно использовать. В цифровом искусстве у вас, кажется, есть только один инструмент, кисть, так что цифровая графика и цифровая живопись сливаются в одну.

Поэтому если вы вполне комфортно справляетесь с карандашом, но стараетесь изо всех сил в цифровом искусстве, это может быть не потому, что вы «не умеете рисовать». Проблема заключается в что вы путаете много методов, некоторые из графики, некоторые из живописи, потому что когда вы пытаетесь узнать путем поиска «цифровую графику», вы получаете полностью нарисованные портреты.

В этой статье я объясню вам разницу, так, что вы сможете узнать именно то, что вы хотите, не тратя ваше время на обучающие материалы, к которым вы не готовы. Таким образом, вы будете развиваться более быстро и с меньшим количеством ненужных разочарований.

Традиционная графика

Вы можете рисовать с помощью множества инструментов. Вы можете даже использовать ваш палец, до тех пор, как у вас есть поверхность, на которой вы сможете делать отметки. Самое основное определения графики это просто создание линий острым инструментом. «Утонченность» зависит от масштаба, поэтому чем больше ваш рисунок, тем более широкий кончик допускается. Вы можете рисовать даже кистью!

Линии сами по себе не существуют в действительности. Из них не делается никаких объектов, но наш мозг, очень эффективен при распознавании образов, не нуждается в том, чтобы увидеть действительность в облаке линий. И потому, что линии так легко сделать, графика стала наиболее популярной и доступной формой искусства.

Чтобы рисунок имитировал реальность, он должен напоминать шаблоны, которые ожидает мозг. Таким образом, успешный художник должен знать, как шаблоны, так и способы их создания. Вот почему реалистичный рисунок превышает нормальный смысл определения: он больше не о ведущих линиях, а о том, как построить из них осмысленные шаблоны.

Этот навык является одинаковым для традиционного художника и цифрового художника. Вам не нужен графический планшет, чтобы узнать, как рисовать животных или как работает перспектива. И как цифровой художник, вы можете тоже успешно использовать учебные материалы для пользователей, рисующих карандашом.

Разница заключается в самом инструменте. Все они рисуют линии, но они могут использовать другой метод для того, чтобы сделать это. Например, некоторые ручки могут управлять потоком чернил, а мягкие карандаши дать вам различные оттенки серого цвета в зависимости от давления. Если вы хорошо рисуете мягким карандашом, переключение на чернила может быть очень неудобным и наоборот.

Существует другой вид шаблона, который вы можете создать с помощью инструментов рисования. Наш мозг очень чувствителен к свету и тени. В рисунке, мы может имитировать тени темнотой линии, и легкость с ее отсутствием. Поскольку на самом деле свет и тень сделаны из пятен, а не линий, для их имитации необходимо использовать методы обхода (например, штриховки).

Этот эффект требует еще одного навыка: понимание света и тени, а также практика в имитации объема только линиями.

Подводя итог, мы получили пять различных навыков, на которых основан традиционный рисунок:

Вы также можете быть великий художником, освоившим только первые три из них, когда вы только копируете рекомендации, но чтобы быть творцом, вы должны сосредоточиться на двух последних даже с большим усилием.

Если вы хотите использовать цветные карандаши, также вам нужно будет понять цвет, который является еще одной важной задачей, и это не так просто, как может показаться.

Традиционная живопись

Живопись не отличается от графики только потому, что вы используете для неё другие инструменты. Также совершенно разные цель и эффект. Живопись создается с помощью пятен цвета, форма которых не может и не должна полностью контролироваться. Для этой цели вы можете использовать множество различных пигментов. Они обладают различной плотностью и свойствами смешивания, поэтому каждый требует разного подхода.

Пятна цвета могут с большим успехом имитировать то, как наш мозг видит мир. Живопись может быть фотореалистичной, но также она может достичь реализма целым рядом других стилей. Поскольку вы можете окрашивать большие области за раз, нет необходимости в обходных решениях, таких как штриховка, а некоторые пигменты очень хорошо сочетаются без больших усилий.

Это не значит, что живопись проще. Использование больших пятен требует совершенно другого типа аналитического мышления. Это все еще о создании значимых шаблонов, но на этот раз это все о свете, тени и цвете. Поэтому живопись основывается на трех навыках, каждый из которых достаточно трудный в освоении:

В то время как в графике вы можете создавать фантастических зверей после изучения анатомии животных, в живописи этого будет не достаточно. Понимание света и тени здесь имеет решающее значение, если вы хотите быть абстрактным художником. Для некоторых людей мышление с помощью пятен может быть на самом деле проще, но для большинства из нас, привыкших к форме линий, для освоения этого требуется много времени.

Вам может нравится один из этих методов больше, чем другие, но это не значит, что он лучше или более правильный

От традиционного к цифровому искусству

Это разделение столь же совершенное, как может быть, поскольку оно учитывает различные методы создания. Когда вы рисуете, независимо от того, как хаотично, вы ожидаете, что появятся некоторые линии, и вы сможете их четко обозначить в конце. Даже тогда, когда вы используете большие, красочные штрихи, вы все еще точно знаете, где вы хотите их расположить.

Оба эти подхода требуют разных методов. Если вы знакомы с графикой, ваш первый шаг в живописи может быть попыткой рисовать линии непредсказуемой, текстурированной кистью. Вы буквально выбираете кисть, которую трудно контролировать и пытаетесь ее контролировать. Это имеет мало общего с живописью!

Это не живопись— это просто рисование графики большой кистью!

Однако, то, что вы привыкли рисовать графику, не означает, что вы навсегда обречены на строгие линии и плоские цвета! Вам просто нужно понять, как смешать оба метода удобным способом.

Расширенная графика

Вы можете расширить вашу графику в Photoshop с помощью других средств, которые не имеют ничего общего с живописью — или также с графикой. Их не существует в «традиционной» реальности, но они могут быть легко использованы, если вам хорошо знакома графика.

Деформация

Есть несколько инструментов в Photoshop, которые могут быть использованы для этой цели:

Все эти инструменты позволяют вам сделать что-то достаточно значительное, чтобы называться жульничеством. После того, как вы что-то нарисовали, вы можете это изменить — все или только часть. Вы можете создать совершенно новый эскиз после того, как он уже нарисован! Вы можете даже нарисовать кучу хаотичных линий и видоизменить их как глину. Вам нужно только ваше аналитическое мышление, на котором основан рисунок.

Заливка цветом

Если бы вы хотели заполнить пространство, когда рисуете традиционно, вам нужно потратить много времени, тщательно пересекая линии, чтобы создать определенный эффект. Вы точно знаете, что вы хотите сделать — это просто занимает много времени.

В Photoshop вы можете оформить пространство, которое вы хотите окрасить с помощью Lasso Tool (L). Вы заметили, что я сказал, «оформить?» Lasso Tool работает так же, как это, вы оформляете пространство, которое хотите выбрать. Позже вы можете заполнить пространство цветом с помощью Paint Bucket Tool (G) и все это без одиночных мазков кистью.

Затенение

Чтобы затенить ваши плоские цвета контролируемым образом, вы можете просто нарисовать тени на отдельных слоях, так же, как раньше— оформить выделение с помощью Lasso Tool и заполнить их. Затем, изменением Blend Mode и/или Opacity, вы можете сделать затенение подходящим плоским цветам ниже.

Смешивание

Чтобы контролировать смешивание границы между цветами и затенением, вы можете использовать один из многих методов. Поклонники живописного стиля могут рассматривать их как «поддельные», но ничего плохого в них нет. Это просто еще один стиль, более интуитивный для людей, у которых есть большой опыт в графике. Пока это является вашим замыслом, вы можете безопасно использовать:

Смешение графики и живописи

Графика и живопись могут быть успешно смешаны вместе для создания великого произведения искусства. Нет необходимости ограничивать себя только одним из них!

Clipping Mask (Обтравочная маска)

Живопись не знает четких краёв. Живописные штрихи проходят, где хотят, и, пытаясь контролировать их, вы убьете их дух. В Photoshop вы можете найти компромисс — вы можете нарисовать область, в которой штрихи не будут пересекаться, несмотря ни на что.

Просто нарисуйте фигуру с Lasso Tool (L) и заполните его любым цветом. Чтобы прикрепить к нему еще один слой, нажмите Alt и щелкните на границе между ними. Теперь вы можете нарисовать что угодно, не замедляясь по контурам!

Живописные смешивания

После рисования графики и раскраски чего-то, вы можете превратить это в живописной стиль просто используя правильный вид наложения. В этот раз, вместо использования «инструмента наложения», возьмите текстурированную кисть с переменным Flow (чем сильнее вы нажмете, тем более сплошной получится штрих). Используйте Eyedropper Tool (I), чтобы выбрать цвет из одной области, а затем нанести тонкий слой этого цвета по краю. Выберите цвет ближе к краю и повторите. Чем меньше штрихи, тем более текстурированная поверхность.

Чем лучше он выглядит без контуров, тем дальше он от графики и ближе к живописи

Детали

Когда картина почти готова, вы можете придать ей окончательный лоск путем рисования деталей. Вы можете взять мягкую, жесткую кисть и добавить некоторые элементы, которые были бы невозможны в традиционной живописи. Можно придать ей жесткие контуры, добавить тонкие волоски здесь и там, придать поверхности блеск, добавив белое пятнышко на ней.

Смешивание процесса

Художник Photoshop может свободно использовать техники графики и живописи в любой фазе творческого процесса. Например, если вы хотите создать существо, фазы могут выглядеть следующим образом:

Я рисую графику или живопись?

Давайте подытожим все это:

Самыми важными навыками для реалистичной графики являются:

В живописи, этими навыками являются:

Если вы овладеете ими всеми, вы должны уметь смешивать обе техники, чтобы улучшить рабочий процесс, например:

Заключение

И, опять же, обратите внимание на ваши слабые места и учитесь на них. Если ваше затенение выглядит плохо, не вините цвета, которые вы используете, а вместо этого вернитесь к основам освещения. Если вы умеете красиво рисовать, но пропорции всегда неверные, сосредоточьтесь на графике на некоторое время. Ключ состоит в том, чтобы увидеть, откуда берутся ваши ошибки, и какая техника точно от них избавит. Графику и живопись можно красиво сочетать друг с другом в цифровом искусстве, но только если вы создадите для них обоих прочную базу!

Источник